周末（也是月末）轻松一下，卫报今天的一篇文章，The 50 greatest arts videos on YouTube（YouTube 50个最佳艺术视频），从 YouTube 上选出了艺术界几个领域的50个视频，最佳并不代表着怎样的权威（这里是 YouTube ），在你愿意花时间在 YouTube 上的时候，其中一些视频是值得一看的。文章将这些视频分为舞台，爵士，流行摇滚民谣，文学，影视，艺术和古典几个类别，下面是其中一些。

Stage（舞台剧）
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Nureyev dances Romeo at the Royal Ballet, 1966

Documentary on Trevor Nunn’s Nicholas Nickleby, 1981

Pina Bausch’s Bluebeard (Barbe Bleue), 1977

DV8’s Dead Dreams of Monochrome Men, 1990
这是第一部分，其他见YouTube页面右侧。

Interview with Eugène Ionesco, 1961

Peter Brook’s Mahabharata, 1989

Donna McKechnie in the original show of The Chorus Line, 1976

Jazz（爵士乐）
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John Coltrane performs ‘My Favourite Things’, 1961
德国 Baden-Baden现场, 钢琴 McCoy Tyner ， 横笛 Eric Dolphy。

Billie Holiday sings ‘Strange Fruit’, 1959
Billie Holiday 此次演出过5月就逝世。

Ella Fitzgerald duets with Dinah Shore, 1960s

Charlie Parker and Dizzy Gillespie perform ‘Hot House’, 1952

Barbra Streisand on The Tonight Show with Jack Paar, 1961

Pop, rock and folk（流行摇滚民谣）
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Sid and Nancy on New York cable TV, 1978

Madonna at the Danceteria, 1982（她的第一次现场演出）

Oasis’s TV debut with ‘Supersonic’, 1994

The Who and Hendrix equipment smashing, 1968

Aretha Franklin’s Lady Soul TV Special, 196

Joy Division do ‘Shadowplay’, 1978

Joan Baez and Bob Dylan sing ‘With God on Our Side’, 1963

Dolly Parton sings ‘Dumb Blonde’, 1967

Nirvana rehearse in a garage, 1988(Love Buzz, Scoff ,About the Girl)

Bette Midler and Barry Manilow at the Continental Bath, 1971

James Brown and Pavarotti sing ‘This Is A Man’s World’, 2002

The Beatles Rooftop Concert, 1969

Literature(文学)
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Jack Kerouac reads from On the Road (called Project 2), 1959

Zora Neale Hurston sings ‘Uncle Bud’, 1939

Vladimir Nabokov discusses Lolita, 1950s（2）

William Burroughs on cut-ups, c1980

Sylvia Plath reads ‘Daddy’, 1962

Film(影视)
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Martin Scorsese’s Back on the Block, 1973

Kurt Russell’s Star Wars audition, 1975（2）

Katharine Hepburn gives a rare interview, 1973

James Dean and Paul Newman screen test for East of Eden, 1954

Marlon Brando screen tests for Rebel Without a Cause, 1947

David Lynch interviewed on Scene by Scene, 1999

Eveready Harton in Buried Treasure, 1929

The Seashell and the Clergyman, 1928

Marlene Dietrich’s screen test, 1929

Film by Samuel Beckett, 1965

Art(艺术)
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Jackson Pollock drip paints outside his East Hampton home, 1951

Andy Warhol’s Blow Job, 1963

Francis Bacon interviewed, 1985

Jean-Michel Basquiat interviewed by Glenn O’Brien, 1978

Marcel Duchamp’s Anemic Cinema, 192

Bill Viola’s The Reflecting Pool, 1977-1979

Classical (古典乐)
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Maria Callas in Zeffirelli’s Tosca, 1964

Karajan conducts Beethoven’s Fifth, 1966

Bernstein conducts West Side Story, 1985

Glenn Gould’s The Art of the Fugue, 1980

Stravinksy conducts the Firebird Lullaby Suite, 1965

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入世后，和许多行业一样，书画界也对“接轨”翘首以待，然而一道“封杀令”给了中国书画家们一记“当头闷棍”——世界三家最著名的拍卖公司相继将中国书画拒之门外，而日本某旅行社的导游手册竟公然告诫到中国的旅游者：在中国境内购买书画品要慎防上当！

最近，徐悲鸿纪念馆被诉卖假画，则将上述新闻背后的“潜台词”再次凸现：中国书画赝品泛滥、真假难辨。赝品对中国书画危害之深，已令中国书画在国际市场声名狼籍。

而书画造假只是中国书画界混乱状况的部分体现而已，一味追逐名利更是目前书画界的普遍现象。有业内人士惊呼，中国书画诚信危机日益严重，中国书画该到救亡图存的时候了！

书画官司频出

近日在北京市第一中级人民法院开庭的徐悲鸿纪念馆出售假画案，吸引了众多目光。从2001年起，来自德国的约翰先生先后三次从徐悲鸿纪念馆买下多幅国画，其中包括花费10万元买下的徐悲鸿等五位已故著名画家的作品，但约翰没有想到的是，经多方鉴定，这些所谓名家作品竟全部是赝品。

有业内人士向记者指出，美术赝品的交易，其暴利仅次于贩卖军火和毒品。在某些地方，制假售假竟采用了“一条龙”的产业化运作方式，从绘画、题款、裱贴、制印到销售……分工极为细致，甚至还请专人伪造“虫蛀”痕迹。

更令人不解的是，国内的一些拍卖公司公然违背行规和职业道德，为赝品大开绿灯，为赝品出具“身份证”，大开出货渠道。据统计，书画作品拍卖中，真品数量难以过半。

几年来，当这种混乱以法庭诉讼的极端形式屡屡出现时，更搅得现实和潜在的购买者收住了脚步。

上海朵云轩和香港永成拍卖公司于1993年10月在联合主办的拍卖会上拍出了冠名吴冠中的《炮打司令部》，但此画实际是伪作。对此，著名画家吴冠中说：“拍卖前文化部就出面跟他们说是假画，但是他们还是拍卖，卖了50万港币。”为此画家将上海画店朵云轩与香港永成拍卖公司送上被告席。作为中国书画界的第一例侵权案，引起了世人极大的关注。

后来，三年的漫长诉讼有了结果，但被告拒绝向吴冠中公开道歉并声明所拍是假画，最终此案只能以法院向社会发布公告了结。花费巨大精力和财力打官司，虽然胜诉却仍不能为自己讨回公道，年事已高的吴老对此极其无奈，不由喟然长叹：“黄金万两付官司。”

就在吴冠中为自己正名时，1995年张大千《仿石溪山水图》真假纠纷又起。原告在书画拍卖会上以110万元人民币购得这幅画，然而中国当时最顶尖的两位书画权威对此画的看法竟截然相反，北京的徐邦达认为此画是赝品，仅值110元，上海的谢稚柳却认为此画为真迹无疑。六年后的2001年，虽然最终原告最终告赢了拍卖公司，拿回了购画款，客观上却再次使人们在市场外踌躇迟疑。

几乎可以断言，这几个案件的结局给中国书画市场的的发展带来了极为严重的消极影响，一方面导致了画家对制假、售假态度的消极化，使绝大多数画家对制假、售假都采取不予追究、置若罔闻的态度；另一方面使制假、售假非法人员更加有恃无恐，大大助长了书画市场公然售假的欺诈行为。

书画市场五大怪

乱世藏金，盛世藏画，记者采访中,许多书画家还对20世纪八九十年代的中国书画盛况记忆犹新，那时北京琉璃厂几乎天天有成群的香港人转悠，搜寻可以投资的书画作品。然而，近几年中国书画市场伪作赝品充斥，港台藏家的投资热情锐减。

北京的易江先生是一家公司的老总，多年来一直致力于中国书画作品的收藏，但赝品泛滥竟使他无意中成了一位中国书画市场的研究者，“制假贩假是其一，要说中国书画市场的混乱，可以用这么几大怪来概括。”易先生说。

第一怪：假画批发卖

在北京的潘家园等地，齐白石、徐悲鸿、启功、范曾等名家赝品被公开出售，价格从200元到800元不等，常常是营业员刚刚卖掉一张，又从柜台里取出一张一模一样的挂上。在成都一公里长的“书画一条街”上，在苏州久负盛名的“书画一条街十全街”上，徐悲鸿的马、齐白石的虾、郑板桥的竹子、唐寅的美人……随处可见，画价可以从数万元砍到100元。据说这些画都是从几个“著名”的书画批发市场批发来的。

第二怪：赝品藏家爱

有一些所谓藏家，专门以低价收购假画，然后再通过关系请一些有名望的艺术家或鉴定家来题签、题跋，于是假画摇身一变就成了“真迹”。有的藏家认为，假画只要放上几年、几十年，就能以真迹的身份面世了。

赝品缘何大行其道？易江说，有人虽然心知肚明，却仍然乐意购买，然后花钱请鉴定家做真品鉴定，用于送礼或炫耀，投入少而体面至极。正是迎合了这样的心态和需求，书画赝品才一路绿灯。

第三怪：画家满天飞

过去，只有大师级的艺术家才能称之为画家，而如今画家这个头衔已泛滥成灾。易江说，仅在全国范围内敢自称“书法家”、“画家”的人，足足在20~30万人以上。除艺术院校、画院、出版社、书协、美协、群艺（文化）馆外，还有大量的书画社团、机构、企业和无组织无“本本儿”的自由职业书画家。北京“国”字号和“京”字号的书画社团有数百家，各拾时字号的、地市县字号的甚至街道字号的，还有行业字号的，更是不计其数。

第四怪：宰你是小菜

价格黑洞是长期困扰书画市场的一个老问题，也是令投资者最头痛的问题。投资者受骗上当早已不是什么新鲜事了。

易江说，北京收藏圈子里把港澳深珠人一并统称为“广东人”。“广东人”和“山东人”一样，是拍卖公司最受欢迎的买家，因此行内素有“山东人敢买假画，广东人敢花大钱”之说。

易江告诉记者，在2002年秋天的一次拍卖会上，一位财大气粗的山东籍收藏“新贵”，花11万多元买了两张假画，此举立即招徕了在场几位广东藏家的耻笑。而不大会儿工夫，几幅被北京收藏投资者评定价格不超过5000元的扇面组合，又被一位“广东人”以2.5万元的价格买走。

第五怪：“精品”大泛滥

“精品”这个商业名词，现在却在书画界颇为流行。画册不论好坏，通通冠以“精品画驯；画展不管出处，也称之为“精品画展”。相信不少人见识过这种所谓的“精品画驯和“精品画展”，无非还是些大路货，“有的甚至还有些蹩脚货，质量差得让人哭笑不得。”易江说。

书画家十种丑态

据报道，中国美术界目前号称有上百万人的队伍，这充分说明了书画市场的空前繁荣，但长期以来有一种不良风气一直在收藏界和书画界蔓延——重“名头”不重艺术价值。

“‘大名头儿’画家的作品，即使粗制滥造也能卖个好价钱，而‘小名头儿’画家的精品也未必卖得了几个钱。”青年画家李工尖锐指出，一味追逐名利成了书画界的普遍现象，“书画家”这个名词也被名利熏染得“五彩斑斓”。

李工说，时下许多书画家不是刻苦研究技艺，提高水平，而是忙着到各地的艺术博览会“练摊”、卖作品。而书画家到各地走穴早也已是公开的秘密。画家走穴时作品论张卖，不问质量，只看数量，为了在短短的走穴过程中挣到更多的钱，他们也就顾不得作品的艺术性，粗制滥造，有的事先将画刻在木板上就直接往宣纸上樱另一些书画家则热衷参加以开张、庆典、奠基、开幕、节日、纪念日等各种名义举办的书画“笔会”，于酒足饭饱之后一挥而就，然后领到一笔价值不菲的“润笔费”。

无论收藏界、评论界人士，还是书画家们，均给那些追名逐利不顾艺术质量的“书画家”们画了像，记者归类发现约有十种类型：

一是炒作型画家。画家的炒作大多采取如下手法：控制作品上市量、漫天要价、自封大师、为自己组织研究会、收买记者在媒体上为自己摇旗呐喊等等，意在给收藏者造成一种假象，好象其潜在价值已经很丰厚，价格即将上扬。

二是匠人画家。这一类画家匠气十足，一味迎合社会潮流甚至低级趣味，不思进取，只顾赚钱，其作品或粗制滥造或千篇一律，毫无新意。

三是作坊型画家。这一类画家，自己画不过来，或懒得下工夫，干脆招呼一帮手下弟子代劳，合作分工，俨然工厂流水作业，无限量生产。

四是徒有虚名的画家。早年因在艺术上有一定创新而出名，后来止步不前甚至倒退了，但知名度却“遗留”下来了。其作品从题材到笔墨往往都是老生常谈、人云亦云的东西。

五是猎奇画家。有的专门靠画特殊题材扬名，或将西方现代派的一些方法生搬硬套地拿来用在中国画上，但胡乱的创新并没有多少价值。有些人以名利为驱动，动辄打出什么“主义”、“潮流”，时时想充当艺术界的先锋、前卫，将蛮力误以为雄强，将苍白误以为高贵，将杂乱无章看作淋漓尽致，将软弱无力看作柔美多姿。

六是“捞偏门”画家。有的专门以画某一题材自我吹嘘，自封为“虎王”、“猫王”、“梅王”等类称号，还有的自立排名，“第一”、“第二”；有的将艺术制作夸大为艺术创作；有的则牵强附会，生硬拼凑，看起来似乎是标新立异，实际毫无艺术价值。

七是交际型画家。一些书画家缺乏真才实学，于是抄近路、走捷径，巴结权贵，拉拢关系，通过外力来抬高自己的形象。这种画家没有真实本事，只有狐假虎威，狗仗人势。

八是继承型画家。这种画家往往是某个知名画家的后代、亲戚或弟子，其艺术造诣未必很高，但大树底下好乘凉，靠老一辈的知名度，即使自身水平一般，也可吃一阵子老本。

九是官员画家。在书画界，还有一种奇特的现象：一幅作品的价格定位常常与其官职大小有关，社会地位越高，画作的价格越高……这种风潮导致很多画家都争抢美协主席、副主席的职位。

十是奖牌画家。一些人的作品得不到社会的承认，于是为了卖一个大价钱就拼命想办法获奖，各种以捞钱为名的大奖赛应运而生，而且越做越离谱。这些华而不实的大奖只顾赚钱，不注重作品的水平，但却可以让一些画家的作品在交易中升值，给画家们提供了一条自我包装的途径。

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中西“美术”概念差异比较
    如上所述，在中国“美术”一词作为英语fine art的对应概念及术语，迅速完成了在中国的“本土化”过程，形成了上述的特定内涵。因此，汉语“美术”一词与英语fine art的原意是有区别和差异的，这些差异具体表现在以下三个方面。
    1. 从双重概念变成单一概念
    在西方，“美术”一词有广义和狭义之分。就其广义而言，它是一个美学意义上的概念。作为各门类艺术的总称或统称，它不仅包括绘画、雕塑和建筑等视觉艺术，而且包括音乐(听觉艺术)和诗(语言艺术)，有时还包括舞蹈(综合艺术)；就其狭义而言，它是一个单纯的视觉艺术概念，特指绘画、雕塑和建筑。但在中国，“美术”由一个双重概念逐渐变成了一个狭义概念，成为一个单纯的视觉艺术概念，特指绘画、雕塑、建筑、书法和工艺等艺术。

    当人们说汉语“美术”一词是西方舶来品时，通常都以英语fine art为其对应术语和概念。其实，fine art也不是英国“土生土长”的概念，而是法语beaux-arts的对应词。在17世纪后期的法国，beaux-arts、特别是省略两个词之间的连字符的beaux art，最初是作为意大利Arti del Disegno(迪塞诺艺术)的法语对应词，特指绘画、雕塑和建筑等视觉艺术。④ 但它不久便超越视觉艺术的范围，逐渐将音乐、舞蹈、诗歌等纳入beaux-arts(即“美术”或“美的艺术”)范畴，并最终使这一特指绘画、雕塑和建筑等视觉艺术的狭义概念，变成了一个泛指视觉艺术、听觉艺术和语言艺术的广义概念。从某种意义上来说，这标志着西方现代艺术体系的形成和成熟。由于《百科全书》的声誉和权威，从而使这一体系最广泛地传播于全欧洲。从1750至1770年之间，“美的艺术”这一新的艺术分类体系在整个欧洲得以广泛而稳步的传播。到了18世纪末，在德国、英国和意大利几乎所有关于艺术的论述都在使用这一新的艺术分类体系，其不同语种的对应概念术语也随之出现。在意大利，beaux-arts的对应术语是belli-arti，在德国是sch·ne k ü nste，在英国是fine art。美国人同样也是在这一时期接受了这一新的艺术分类体系及其概念。但是，值得特别强调和说明的是，在英国，作为beaux-arts的对应概念性术语fine art再次发生了新的变化。    在英国，法语beaux-arts这一对应概念是fine art。但是，随着时间的推移，较之beaux-arts概念fine art产生了一些变化并形成了自己独特的内涵。首先是词形方面的变化，即不知具体是从何时起修饰词fine被省略而以第一个字母大写的Art取代之。当代英国学者雷蒙·威廉斯(Raym ond Williams)在他的《关键词》(Keywords: A Vocabulary of Culture and Society)中关于“艺术”条目是这样写的：“具有抽象概念的、第一个字母大写的Art有其内在广泛的原理、原则，但却很难说定它是哪一个时期出现的。18世纪时的Art定义与用法不尽相同，但19世纪时这些定义与用法都被接纳，因而使Art的定义更为广泛……1815年诗人华兹华斯写信给画家海顿说：‘我们的职业、我们的朋友与我们创造性的艺术(Art)是高尚的。’”[6] 从这段文字来看，华兹华斯的Art实际上就是法国“beaux-arts”，也就是美学意义上的“艺术”概念，即一个囊括语言艺术、视觉艺术、听觉艺术和综合艺术的广义艺术概念。其次是词义方面的变化。所谓“词义变化”包括两层意思。第一层是指英语fine art由作为beaux-arts的单纯的广义艺术概念变成了一个双重性艺术概念，即作为广义的艺术概念，除了绘画、雕塑和建筑等视觉艺术之外，它还包括语言、听觉等其他门类的艺术；但作为狭义的视觉艺术概念，它仅指绘画、雕塑、素描和建筑等造型艺术。
    如前所述，在“美术”概念传入我国之初，它主要是广义的或美学意义上的，即包括语言艺术、视觉艺术、听觉艺术和综合艺术等，是各门类艺术的统称。在王国维和鲁迅先生的文中，“美术”一词都是广义的。但在蔡元培先生那里，“美术”显然是一个双重概念。例如，在《美术的起源》(1920年)、《美术的进化》(1921年)、《美术批评的相对性》(1929年)等文章中，“美术”显然是广义或美学意义上的概念。但在《在中国第一国立美术学校开学式之演说》(1918年)、《美术与科学的关系》(1921年)、《赖菲尔(欧洲美术小史第一)》(1916年)、《在史太师埠中国美术展览会演讲会之演说》(1924年)等文章中，“美术”一词无疑是狭义的，即作为单纯的视觉艺术概念。值得一提的是，蔡元培先生常常注意向人们说明和强调“美术”概念的这一双重性。例如，除了前面所提到的，他在《美术的起源》一文的开头就指出“美术有狭义的，广义的”之外，他还在1918年4月15日中国第一国立美术学校开学式的演说中声称：“美术本包有文学、音乐、雕刻、图画等科。惟文学一科，通例属文科大学，音乐则各国多立专校。故美术学校，恒以关系视觉之美术为范围。”[5] 77所以，尽管在他的笔下，“美术”一词时而为广义，时而为狭义，却毫不使人感到混乱，或读之不解。
    然而，大约是从20世纪20年代起，人们开始用“艺术”一词作为广义的或美学意义上的概念，而将“美术”一词只作为狭义的视觉艺术概念。随着时间的推移，“美术”一词的广义概念逐渐被遗忘，其狭义也就成了唯一的用法。这一用法日趋普遍和流行，并最终得以确立，且一直持续至今。例如，在目前我国学科分类中，“艺术”是一级学科概念，下设8个二级学科，“美术”便是其中之一，与音乐、设计、舞蹈、戏剧和影视等相并列。值得一提的是，这一变化在中国变得如此干净彻底，以致今天的学者在阅读这些早期文章时，常常把广义的“美术”概念误读为狭义概念。当然，若就“美术”一词在中国由广义的艺术概念变成特指绘画、雕塑和建筑等视觉艺术的狭义概念这一点而言，还不能说是中国“美术”术语及概念的主要特色。
    2. 从特殊概念变成一般概念
    在西方，狭义的“美术”是一个阶段性的概念性术语，它是西方艺术史上数个视觉艺术概念性术语中的一个；但在中国，“美术”一词不仅由一个双重概念变成了一个单纯的狭义概念，而且还由一个阶段性的特定概念变成了一个一般性的学科概念。
    在西方，fine art或Art(美术)是一个阶段性的术语，它只是一系列视觉艺术术语中的一个。古希腊在视觉艺术方面(绘画、雕塑、建筑和工艺)取得了无与伦比辉煌成就，给人类留下了宝贵而丰厚的精神遗产，但却不曾出现任何意义上的独立的视觉艺术概念及术语。西方学者发现，在希腊语中，与现代意义上的“艺术”一词最接近的是teckne，但在古希腊这几乎是一个无所不包的概念；而mimesis(“模仿”或“模仿艺术”)更是与现代意义上的模仿艺术有着很大的差异。古希腊的这一局面持续到15世纪都没有发生实质性的变化。如所知，西方第一个纯视觉艺术概念出现在文艺复兴时期的意大利，它就是前面所提到的“迪塞诺艺术”(Arti del Disegno)。这一概念的出现有两个显著的标志：一是乔治·瓦萨利第一次单独为画家、雕塑家和建筑师树碑立传，并在这部《大艺术家传》中为“迪塞诺艺术”明确下定义；二是瓦萨利等视觉艺术家在科西莫大公的庇护下建立了西方第一所视觉艺术学院——佛罗伦萨迪塞诺艺术学院。根据瓦萨利的定义，作为西方艺术史上第一个独立的视觉艺术概念，迪塞诺艺术概念所强调的是绘画、雕塑和建筑的理性特质。⑤

17世纪下半叶，意大利的迪塞诺艺术概念及学院理念开始对欧洲其他国家和地区产生影响，与此同时欧洲的文化艺术中心也由意大利转移到了法国。法国不仅仿照意大利迪塞诺艺术学院建立了巴黎皇家绘画雕塑学院和建筑学院，而且还在“迪塞诺艺术”的基础上建立起现代艺术——“美术”(beaux-arts)——体系，臻于完善和成熟广义的“美的艺术”概念逐渐取代了“迪塞诺艺术”这一单纯的视觉艺术概念。如前所说，当法国的“美术”概念借助《百科全书》传入英国后，其最初的英语对应概念“美术”(fine art或Art)的内涵逐渐发生了一定的变化，即由单一概念变成了一个双重概念。作为广义概念，它与法国的beaux-arts相对应，即使绘画、雕塑、建筑、音乐和诗歌在“模仿美的自然”这一共同原则下集为一个整体；但作为狭义概念，它却是与意大利的A rti del Disegno相对应，是一个单纯的视觉艺术概念，旨在将绘画、雕塑、建筑等纯艺术或高雅艺术与装饰性和实用性艺术区别开来。
    然而，大约从19世纪开始、特别是到了20世纪，小写的art逐渐取代fine art或Art而成为最流行的用法。就视觉艺术而言，几乎就是在“美术”概念随着现代艺术体系得以确立的同时，这条设在纯艺术与实用艺术或美术与非美术之间的界线，不仅使它把一些新的艺术形式排除在外，而且也将人类历史上众多的艺术形式、欧洲以外众多的艺术形式排除在外。尤其是在野兽派、立体派等现代派绘画、雕塑和建筑艺术问世后，这一术语的狭隘性和局限性也就越发突显出来。另外，一些新的艺术形式，(如摄影、电影等)也在向这一概念的封闭性提出了挑战。于是，第一个字母小写的“艺术”(art)逐渐取代了fine art或Art。显而易见，较之“迪塞诺艺术”和“美术”这两个概念，第一个字母小写的“艺术”是一个更具中性色彩的概念，因为这一概念主要是区别“艺术”与“非艺术”而不是对绘画、雕塑、建筑等视觉艺术的类别样式、风格内容、时代地区等加以限制。这样一来，从原始直至当代的、从欧洲、亚洲直到非洲的整个视觉艺术都揽括在自己的名下。不过，值得一提的是，在当代西方，art一词仍有狭义和广义之分。具体地说，它在视觉艺术领域中是狭义的，但在美学或艺术哲学中是广义的。例如，在贡布里奇的《艺术的故事》(The Story of Art)和沃尔夫林的《艺术史原理》(Principles of Art History)中，art就是狭义的；但在赫伯特·里德的《通过艺术的教育》(Education Through Art)、玛克斯·德索的《美学和艺术理论》(Aesthetics and Theory of Arts)中，art则是广义的。另外，在美学或艺术哲学的著述中，为了明确起见，人们常用visual art(视觉艺术)、偶尔也用pla stic art(造型艺术)来作为绘画、雕塑和建筑等艺术的统称，以区别于音乐、文学、戏剧等其他艺术门类。
    总而言之，在西方作为视觉艺术总称的概念性术语不是始终如一和经久不变的，而是随着概念内涵的变化而变化的，Arti del Disegno、fine art/Art、art便是其中最重要的三个概念性术语。
    如所知，西方的“美术”一词传入中国后，很快便从一个有广义和狭义之分的双重概念变成一个纯粹的视觉艺术概念。另外我们还发现，在中国“美术”作为绘画(包括书法)、雕塑、建筑和工艺的总称这一现象始终都没有改变。尽管我们偶尔也看到用“造型艺术”和“视觉艺术”这样的术语来取代“美术”，但在中国，“美术”一词始终都是最正宗、最权威、最流行、最正式(并得到普遍认同)的官方用语。总而言之“美术”在中国经历了一个本土化的过程并最终作为视觉艺术概念的地位得以确立之后便不在发生变化，即便是面对旧石器时代的雕塑和新石器时代的岩画，或面对中西现代派、后现代视觉艺术作品，也是毫不迟疑地将它们置于“美术”的名下，或冠以“美术”的称谓，真可谓是“以不变应万变”。这样一来，在中国，“美术”也就从原来的一个阶段性的特殊概念变成了一个一般性概念。反过来，我们再根据这样的“美术”概念来理解西方现当代小写的艺术(art)一词。例如，长期以来，我们总是习惯把英语art(注意不是fine art或Art)翻译成“美术”，这样的例子俯拾皆是。
    3. 从具有明确价值取向的概念变成中性的学科概念
    在西方，表示“美术”或“美的艺术”这一概念的专门术语，无论是英语fine art、法语beaux-arts还是德语schone k ü nste还是意大利语belli-arti，实际上都是由两个单词构成，其中第一个单词无论属于什么词性，都属于限定词，都是对后面的名词的性质进行限定，以表明价值取向。以英语fine art为例。在这里，形容词fine的意思有“高雅的”、“精美的”和“纯净的”，把这一形容词放在art之前，旨在将属于纯艺术(pure art)的绘画、雕塑和建筑等与实用艺术(applied art)或装饰艺术(decorative art)区别开来。在“美术”占主导地位的时期，前者被视为高雅艺术，而后者则被看作是低俗艺术；然而，尽管中文“美术”一词中“美”无论在词性上还是词义上与fine都是相同的，但在中国，“美术”一词似乎并不具备上述fine art的那种基本内涵。
    纵观西方各个历史阶段出现的作为视觉艺术统称的概念性术语，它们实际上是随着自己所代表的各概念的内涵的变化而变化的。各种视觉艺术概念，一般都具有自己的基本或核心原则。例如，古希腊的teckne的基本原则是建立在“技艺”之基础上的，传统的“模仿艺术”主要是建立在“自然”这一原则之上的，文艺复兴的“迪塞诺艺术”是建立在理性之基础上的，而关于“美术”的基本原则，一般情况下人们都引用巴托的观点，即“摹仿美的自然”是所有美术(绘画、雕塑、音乐、诗歌、舞蹈)的共同原则。⑥
    作为西方艺术史上第一个独立的视觉艺术概念，意大利文艺复兴时期的“迪塞诺艺术”(Arti del Disegno)旨在凭借理性特质将绘画、雕塑和建筑与纯技艺活动区别开来的，从而提高职业画家、雕塑家和建筑师的社会地位。作为迪塞诺艺术的对应概念，法国17世纪的“美的艺术”(beau x-arts)概念同样体现出要提高画家、雕塑家和建筑师等造型艺术家的社会地位，使他们摆脱从事纯手工技艺的手艺人或工匠的身份这一宗旨，即便是到了18世纪下半叶的英国皇家美术学院仍是在致力于这一目标的最终实现。至于在18世纪的法国beaux-arts最终是作为绘画、雕塑、建筑、诗歌和音乐艺术的综合概念而得以确立这一问题，其实与意大利文艺复兴时期人文主义者提高画家、雕塑家和建筑师的社会地位的主要途径和手段密切相关。这种途径与手段就是：一方面是借助绘画和雕塑的题材——希腊神话、宗教、文学、古典知识和历史——来使绘画、雕塑与诗学、音乐、修辞学相提并论；另一方面是把数学、几何学等传统“自由艺术”与这三门视觉艺术密切结合起来；第三个方法就是提倡这些造型艺术家本身具有渊博的人文知识和多才多艺。由于这一任务和使命在意大利并没有完成，确切地说在很大程度上仍然停留在一种理想的层面。所以当这一概念传入欧洲其他国家后，提高本国艺术家的社会地位仍然是必须首先面对和迫切需要解决的问题，17世纪的法国是这样，18世纪的英国也不例外。

    在18世纪下半叶的英国，fine art或Art(美术)作为视觉艺术概念，其实质就在于强调绘画、雕塑的纯艺术性，在于强调它们与实用或装饰艺术之间的区别。关于这一点，我们随便查阅一本英文艺术词典便可以得到证实。例如Edward Lucie-Smith编撰的《艺术术语辞典》(Dictionary of Art Terms, 1984)中关于“美术”的定义是：美术(fine art)指建筑、雕塑和绘画艺术，有别于应用艺术(applied art)和装饰艺术(decretive art)。这种区分到18世纪中叶才完全确立。另外，由Paul Duro & Michael Greenhalgh主编的《艺术史基础》(Essential Art History, 1992)中关于“美术”的解释是：在古希腊罗马，绘画、雕塑和建筑虽然有别于纯手艺，但它们并不属于自由艺术/人文学科(liberal art)的行列。在中世纪，这种混乱的局面并无什么大的改观，但是在阿尔贝蒂、达·芬奇和瓦萨利等这些文艺复兴理论家们的庇护下，这些艺术被赋予了理性特质，并被打上了学院的标识。换言之，绘画、雕塑和建筑的地位被提升了，成为“美的”而非“应用的”或“装饰的”艺术。当然，《简明不列颠百科全书》(第5卷)中关于“美术”词条的解释应该更具权威性：美术(fine art)非功利主义的视觉艺术，或主要以美的创造有关的艺术。一般包括绘画、雕刻和建筑，有时也包括诗歌、音乐和舞蹈。壁画、陶瓷织造、金工和家具制造等一类装饰艺术与工艺，都以实用为宗旨，所以从严格意义上来说，不属于美术范畴。在文艺复兴以前，艺术家与手工艺者几乎没有区别。“美术”这一术语也只是在18世纪中叶才出现。美术与实用艺术的明确区分始于19世纪。
    然而，在我国，美术一词无论是特指绘画、雕塑等视觉艺术的专门术语还是作为视觉艺术、音乐和语言艺术的统称，它与西方的美的艺术(be aux-arts、fine art、Art)之间存在着一种实质性的差异，那就是中国的“美术”似乎从一开始所扮演的就是一个中性词汇。实际上这一现象早在王国维先生那里就已经初露端倪。尽管王国维先生在谈到美术时，多数提及的具体内容都是图画、雕刻、建筑、诗词和音乐，但他偶尔也提到除了这些也应该把木工、金工、抟工纳入美术学习的内容。至于蔡元培先生，他似乎从一开始就没有考虑过做这样的区别。例如，他在《美术的起源》一文中，开门见山的说：“美术有狭义的，广义的。狭义的。是专指建筑、造像(雕刻)、图画与工艺美术(包装饰品)等。”[5] 86这篇文章的第四个自然段的开头是这样写的：“考求人类最早的美术，从两方面着手，一，是古代未开化民族所造的，是古物学的材料。二，是现代未开化民族所造的，是人类学的材料。”接着列举了除欧洲之外的亚洲、非洲、美洲和澳洲等地的现代未开化民族。当他“讲初民的美术”时，首先是从装饰谈起的，从各地区初民的服饰、身体各个部位的装饰一直说到器具上的纹图案。另外，在《美术的进化》、《美术与科学的关系》、《美育》、《二十五年来中国之美育》等文章中，都体现出这一观点。我们从蔡元培先生美术概念中，既看不到他要区分出纯艺术与实用艺术或装饰艺术的目的，也看不出他要分别高雅艺术与低俗艺术的企图。
    蔡元培先生作为辛亥革命后中华民国临时政府第一届教育总长，尤其是后来任北京大学校长这一职务期间，他的这一美术概念及美术观对我国产生了巨大的影响。从目前“美术”一词在我国的用法来看，这一影响甚至就是决定性的。例如，我们培养画家、雕塑家、书法家的专门教育机构是“美术学院”；为这类艺术家提供的专门组织机构是“美术家协会”、收藏、展示和陈列这类作品的机构是“美术馆”；这一领域的专业期刊杂志是《美术观察》、《美术研究》、《美术》、《世界美术》、《新美术》、《美术家》、《美术教育》等；四年一度的国家级大展是“全国美展”等等。另外，理论家和学者们研究古今中外的绘画、雕塑、建筑和工艺等方面的著述均被冠以“中国美术史”、“外国美术史”、“美术理论”，甚至还有“古代美术”、“工艺美术”、“史前美术”、“中国古代礼仪中的美术”、“中世纪美术”这样的标题或称谓。由此可见，在我国“美术”一词是不具有西方那种价值取向的，而且在视觉艺术领域中，它全然是个中性词。之所以如此，这主要是因为“美术”在我国是一个学科概念。如前所述，在我国学科分类中，美术是一个二级学科概念，它与同属一个级别的音乐、设计、舞蹈、戏剧、影视等一道被置于一级学科“艺术”的名下。就这样，一个有着明确价值取向的西方概念在我国最终变成了一个中性的学科概念。然而遗憾的是，音乐、设计、戏剧、舞蹈、影视等本身都是中性词汇或概念，而“美术”这一词汇本身的含义又决定了它不是中性，而是有着明确价值取向的。实际上，用“美”与“不美”(即是否赏心悦目)来衡量一件绘画或雕塑作品、甚至是任何一件视觉艺术作品的好坏、质量的高低，是人们(包括业内与业外的人)最常用的一个标准。因此，如果说，我国艺术界的某种混乱局面与其说是不同或对立的艺术观所导致的，倒不如说是这个“以不变应万变”的“美术”术语惹的祸。当然，本文的目的不在于指出当代用什么术语来取代“美术”作为绘画、雕塑和建筑等视觉艺术的统称，而是要指出目前由于美术这一概念所引发的问题，并揭示和分析问题产生的根源。
    综上所述，中西“美术”概念的差异主要表现在以下三个方面：首先，西方的“美术”一词有广义和狭义之分，广义是美学意义的，包括语言艺术、视觉艺术、听觉艺术和综合艺术。狭义是视觉艺术意义上的，特指绘画、雕塑、建筑等；但在中国，“美术”一词迅速地从一个双重概念变成了一个单纯的视觉艺术概念。第二，西方的“美术”作为绘画、雕塑等视觉艺术的总称，是一个阶段性的称谓。换言之，西方指称绘画、雕塑和建筑的词汇在不同的时期用不同的专门术语，如文艺复兴时期是“迪塞诺艺术”、20世纪前后至今用的是“艺术”(art)，而“美术”就是介于两者之间的一个术语。关键是，这些术语是随着其概念的基本含义的变化而变化，因此每一种称谓都是与其创作和作品相适应的，不会使人产生困惑或造成混乱；但是，中国在20世纪初接受了“美术”作为绘画、雕塑和建筑等实践活动及其产物之统称之后，便出现了“以不变应万变”的局面。换言之，中国的“美术”不再是一个阶段性的术语，它从一个特殊概念变成了一个一般性的概念。第三，西方的“美术”是一个带有明确价值取向的概念，其中将绘画、雕塑和建筑等纯艺术与实用艺术或装饰艺术、高雅艺术与低俗艺术区别开来是它的一个主要特征；但在中国，“美术”一词既无种类和风格之分、更无雅俗和纯艺术与实用艺术之分，它最终完全变成了一个中性的学科概念。

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