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　　金融危机之下，泡沫明显的艺术品市场也不能独善其身。从2008年秋拍的成绩看，虽然艺术品价格的下跌往往滞后于其他市场，不过作品的流拍率已节节上升、成交额大幅下滑。未来的艺术品价格可能收缩五成，由此将带来整个产业链的调整。随着泡沫时代的炒作偃旗息鼓，“价值投资”理念将再度回归，市场可望走向规范，中国艺术品的定价权则向香港集中。?刘凌云/文

　　本轮艺术品市场的扬升始于2003年，其背景在于全球流动性过剩、新兴市场经济繁荣带来对艺术品的需求持续增长、华尔街银行家凭借大笔奖金成为收藏新贵。在这轮行情中，全球艺术品指数翻了一番，而当代艺术品指数的涨幅更是超过了200%。不过，随着始于华尔街的金融危机的蔓延，投向艺术品市场的资金也在迅速收缩，艺术品周期正发生逆转。

　　泡沫停止膨胀
　　在此轮艺术品大涨行情中,资金大举涌入带来的高潮之一，是2004年5月毕加索的油画《拿烟斗的男孩》以1.04亿美元经伦敦苏富比拍出，刷新绘画作品拍价的世界纪录。然而，市场并未就此止步。
　　由于凡高等大师的名作已在1989年前后的上一轮市场高潮中炒到数千万美元的高价，上行空间有限，此轮行情以当代作品为主。当代艺术品指数近年的涨幅大大高出全球艺术品指数，这一趋势在2006年之后更为明显（图1、图2）。2005年1月到2008年1月，当代艺术品价格指数上涨了67%，同期全球艺术品综合指数上涨了48.9%。由于艺术品收藏在财富之外还被包装上了品位、身份等附加值而备受新富追捧，其涨幅也超过了同期的证券市场—CAC40增长了46.9%，道琼斯增长了24.5%。

　　此轮行情中，波普艺术的标志性人物安迪·沃霍尔、曾是华尔街证券经纪人的杰夫·昆斯（Jeff Koons）的作品都升到了数千万美元的天价。杰夫·昆斯的雕塑《气球花（洋红色）》2008年6月30日在伦敦佳士得拍到1150万英镑（不含佣金），为其2001年价格的10倍。由于中国经济的崛起，中国当代艺术家也成为追捧的对象，正是在2006年3月的纽约苏富比春拍中，张晓刚作品《血缘系列：同志120号》被新加坡买家以高出估价两倍多的97.92万美元竞得，率先接近百万美元。截至2008年6月，加入百万美元俱乐部的中国当代艺术家已增至18位。根据巴黎艺博会（FIAC）组委会的估计，过去十年，中国先锋艺术家的作品价格上涨了1050%。
　　当代艺术市场越吹越大的泡沫尽管一直饱受质疑，但直到金融危机的蔓延导致流动性收紧，这一泡沫才停止高速膨胀。2007年的秋拍市场仍是一片兴旺，当年11月的纽约苏富比当代艺术夜场拍卖以3.16亿美元的成交额刷新了该公司的单场成交纪录。Artprice 网站的报告显示，2007年全球艺术品市场的价格上升18%，总成交额达到92亿美元，其中成交价超过100万美元的作品1254件，比2006年创纪录的810件增长了55%。其中，英国明星晓·格兰特6年前以325万美元收藏的一幅安迪·沃霍尔创作的伊丽莎白·泰勒画像，2007年在佳士得以2100万美元售出，显示市场仍弥漫着投机的气氛。在中国，2007年各大拍卖行的收入则较上年增长了78%。但是，2007年艺术品市场整体的流拍率为35.5%，较2006年的34%已略微上涨。
　　到2008年春拍时，形势已不再那么喜人。处身金融风暴发源地的纽约苏富比，春拍成交率为80%，拍品价格多落在估价区间内或略高；这也拖累苏富比2008年上半年的收入较前两季递减6%，为3.2亿美元。然而，香港苏富比的拍场仍一派红火，刘小东、张晓刚、徐冰等人的作品均刷新了个人纪录，曾梵志的《面具系列1996 NO.6》更在5月的伦敦佳士得拍卖中创下7461万元的中国当代艺术拍卖新纪录。根据雅昌艺术市场监测中心的统计，2008年春拍中，中国香港与内地各拍卖行的总成交额突破125亿元，同比增长46.71%（图3），保持急速升势，但成交率则从上年同期的59.64%降至56%（表1）。

　　进入2008年秋拍时节，全球市场都感受到了金融市场传来的寒意。率先于9月举槌的纽约苏富比“亚洲当代艺术”秋拍，成交率仅为65%。10月初的香港苏富比秋拍总成交额达10.98亿港元（合1.4亿美元），在香港苏富比历年总成交纪录中排名第三。但如果将这一结果与苏富比发布2008年二季报时预期的成交额达到2.65亿美元、较2007年秋拍的2.02亿美元提高31%相比，则可以看出市场的变化之大。并且这一拍卖中，当代艺术部分的成绩不尽如人意，夜场拍卖的王广义、张晓刚、曾梵志、岳敏君、方力钧，以至本次拍卖的封面人物、日本艺术家村上隆等人的作品，均因估价过高而流拍。当代中国艺术部分的189件拍品总成交额为7965.694万元，成交率为79%；现代及当代亚洲艺术（夜场）47件拍品的总成交额为1.03亿元，成交率仅为60%。
　　10月18日，刚被俄罗斯奢侈品零售巨头水银集团（Mercury Group）控股的全球第三大拍卖行菲利普斯举行纽约秋拍，中国当代艺术品的总成交额为1009.576万元，成交率为56.52%。其中，夜场拍卖的张晓刚《血缘系列：男孩》、曾梵志“乱笔”系列《小女孩》、岳敏君雕塑《当代兵马俑NO.7》、严培明《无题》等无一成交，日场拍卖的41件艺术品成交率尚有62%。
　　10月19日，伦敦佳士得秋拍的战后当代艺术夜场中国艺术品部分，5件作品仅两件成交，成交率为40%，总成交额为 604.561万元。
　　11月11日，中国嘉德秋拍的中国油画及雕塑部分成交率仅为56.5%，总成交额为5142万元，而其2008年春拍的中国油画及雕塑部分的成交率为78%、总成交额为2.4亿元；2007年秋拍的中国油画及雕塑、当代艺术部分成交率合计为75%，总成交额为1.8亿元。
　　为了应对低潮，各拍卖行都努力开拓客源，佳士得2008年秋拍的预展新增了中国的山西太原、俄罗斯的莫斯科和阿联酋的阿布扎比等新富集聚地，但其“亚洲当代艺术”夜场中估价超过3000万港元的曾梵志1993年作品《从群众中来，到群众中去》会否流拍仍令人关注。由于一些收藏者担心炙手可热的当代艺术品可能面临泡沫破灭后价格大跌的风险，一些拍卖行如北京保利、苏富比等增加了瓷器、珍宝等拍品的数量，另一些拍卖行如上海嘉泰、大唐四季等则推出了无底价拍卖。由于市道不景，一些拍卖行表示征集拍品难度加大，藏家怕卖不到好价钱，不愿拿出精品，这也影响了拍卖的成交额。
　　海外藏家开始套现
　　从历史看，艺术品市场的下跌往往滞后于其他市场。1929年大萧条中，艺术品市场的调整直到1931年才开始，苏富比的利润在1929-1930年仍有35000英镑，但1930-1931年就滑落到12000英镑，1931-1932年达到历史最低的4000英镑，1933年佳士得和苏富比更是考虑合并。截至目前，虽然艺术品泡沫仍没有被刺破，但一些先知先觉的收藏家已开始抛售藏品。在美国，雷曼兄弟CEO富尔德之妻凯西（Kathy Fuld）将估价2000万美元的抽象表现主义画作送拍的消息轰动一时，在中国当代艺术品领域，早期的欧美藏家从2007年秋拍时已抢先套现。
　　2007年10月，美国收藏家霍华德·法伯（Howard Farber）将所藏44幅中国当代绘画拍卖，伦敦菲利普斯为此推出了“中国先锋：法伯收藏”专场。法伯原为地产商，自1995年开始收集王广义、方立均、岳敏君、曾梵志、张晓刚、徐冰、杨少斌等人作品。他1996年花2.5万美元买下的王广义《大批判系列—可口可乐》，本次拍卖中以159万美元售出，升值超过62倍。有趣的是，买家为法伯的女婿、美国收藏家拉里·沃什。英国收藏家查尔斯·萨奇（Charles Saatchi）则以80.4万英镑拍下张晓刚的《血缘》。
　　2008年4月，香港苏富比在春拍中推出了“仕丹莱收藏·当代中国艺术重要珍藏”专场。“仕丹莱收藏基金”（Estella Collection）的操盘手迈克尔·高德尤斯（Michael Goedhuis）2004年起以长期收藏为名从中国当代艺术家手中低价获得了200多件作品，包括张晓刚、艾未未、蔡国强、徐冰和曾梵志等人的精品。但2007年8月该基金便出手套现，将这些作品出售给纽约威廉姆·阿奎维拉（William Acquavella）画廊，后者把艺术品委托给苏富比拍卖，其中108件在香港的专场上拍卖，其余在纽约苏富比秋拍亮相，此时艺术家们才发现自己“很傻很天真”。此事吸引了《纽约时报》的关注。最终，仕丹莱专场取得了91%的成交率和1.39亿港元的总成交额。
　　此外，法国收藏家迈克·博耐特也将3件张晓刚作品、1件岳敏君作品，在伦敦苏富比的2008年春拍上抛出，美国导演奥利弗·斯通收藏的张晓刚《血缘：大家庭No.2》则在佳士得2008年秋拍亮相。
　　不只当代艺术品，中国书画的海外藏家也开始出手。11月10日，中国嘉德在2008秋拍中推出“逸云堂藏画”专场，拍卖的10幅张大千、齐白石、徐悲鸿、李可染等大师作品据称均来自海外一私人藏家，最终，张大千的《太乙观泉图》以616万元成交。
　　有人将早期海外藏家的抛售，比作艺术品市场的“小非”套现。这些被抛出的作品，除被沃什、萨奇这样的顶尖收藏家接手外，也有一些由华人收藏家接盘，如仕丹莱专场拍卖的张晓刚《血缘：大家庭三号》被一名居美的台湾收藏家以4736.75万港元收入囊中。据菲利普斯拍卖行人士称，法伯专场的主力买家来自欧洲和亚洲。中国当代艺术品由早期收藏者转移到更具资金实力者手中，显示这些作品价格短期内已有下跌风险，但长期看仍具收藏价值。不过，由海外回流内地藏家手中的顶级当代作品仍然鲜见。
　　事实上，随着国内收藏市场主力浙江企业资金链趋紧，国内收藏家的买入之举也在减少。从国内买家主要介入的国画市场看，雅昌国画100指数已掉头向下（图4），油画400指数反而更为坚挺。这也打破了“中国书画较当代艺术品更抗跌”的观点。由于油画使用世界语言，更易为全球收藏家所认同，其藏家结构更为广泛、稳定。不过中国书画中，一线大师的书画表现仍然抢眼，包括徐悲鸿、齐白石、张大千等大师的京津画派指数上升明显，显示为保值计，一些收藏家的方向转向经过时间考验的大师作品。

　　假如艺术品价格下跌五成
　　中国当代艺术拍卖市场过去几年增长惊人，Artprice的报告显示，2007年中国占全球拍卖市场的份额达到7.3%，低于美国的43%、伦敦的30%，但高于法国的6.4%，居全球第三。而在2007年7月1日至2008年6月30日的一年中，中国艺术市场的拍卖成交额达2.69亿英镑，仅低于美国的3.48亿英镑，超越英国的2.62亿英镑，跃居全球第二；且在这一阶段的全球当代艺术家作品拍卖价格前十名中，中国艺术家占了三席：蔡国强作品2007年11月25日以6600万港元在香港佳士得拍出，居第六位；曾梵志作品《面具系列1996年No.6》2008年5月24日以6700万港元在香港佳士得拍出，居第八位；刘小东作品《温床No.1》以5100万元2008年4月28日在中国嘉德拍出，居第十位。
　　然而，在金融风暴的冲击下，2009年艺术品市场的价格面临收缩。Artprice的统计显示，中国先锋艺术家的作品价格过去12个月上升了25.4%，与此同时，流拍率也从2005年的6.9%上升到2008年上半年的30.5%。买家捂紧荷包，可以看作一个先验指标，随之而来的很可能是价格的拐点。最近举办的北京宋庄艺术集市可以作为一个风向标—90%的作品标价只相当于2007年的一半。从历史看，艺术品价格一旦开始调整，就会快速下降。上一次艺术市场收缩的1990年到1992年7月间，Artprice全球艺术品价格指数下跌了44%，其报告认为，这次修正的幅度也完全可以想象。那么，这一轮来势汹汹的金融危机会不会带动艺术品价格较2007年的高点下跌50%？毕竟，美国房价、道琼斯指数已较高点大幅回落（图5）。

　　假如市场下跌五成，整个产业链都将受到沉重打击。2008年下半年，股市、楼市下滑的财富递减效应已使人们减少买入行为，许多画廊因此生意转淡，上海、北京等地都有画廊歇业，一些实力较强的品牌画廊则收缩业务以求自保。如果市场收缩，将有大批新开业的画廊关门。
　　从拍卖行业看，几乎所有拍卖行都面临买家大幅缩减、流拍率上升的问题；由于一些买家的资金出现问题，拍卖后的收款速度也开始放缓；拍卖的规模都有所收缩，如2008年秋拍，匡时国际拍品数量与春拍相比缩小了20%，北京华辰同比缩小了30%。未来市场的衰退还将使一些小型拍卖行陷于困境，拍卖行业面临洗牌。
　　受危机影响的还包括会展业。西方大多数博物馆70%的资金依靠捐助，金融机构又是大赞助商，随着这些机构纷纷陷于需要政府救助的困境，其捐款自然难有指望，甚至面对艰难时世，国家拨款也会减少，据纽约市长透露，美国对博物馆的拨款将减少5-7%。与此同时，艺术展会的热度也开始下降。9月的上海艺博会成交额约为4200万元，已较上一届有所下降。
　　一些市场高潮时期成立的艺术品投资基金同样令人担心。国内首只艺术品投资产品—民生银行“艺术品投资计划”，在2007年6月推出1号产品。在2008年4月的香港苏富比春拍中，民生银行买下了罗中立等人作品。由于其投资期限为2年，在当前的市况下，明年到期时能否取得最高18%的预期年收益率尚待验证。

　　危机后的市场新秩序
　　下跌，对于泡沫高涨、缺乏规范的中国艺术品市场，也是一个修正的机遇。中国艺术市场一向秩序混乱，在短期投机资本主导下，造假、售假、拍假问题长期存在，包装、炒作之风弥漫，部分作品因庄家操纵价格虚高，一些拍出高价的作品被不断复制，数量接近饱和；作者与收藏家、拍卖行之间私下交易盛行；艺术评论、鉴定界的“黑嘴”们混淆视听的言论更降低了市场的透明度。
　　以岳敏君、方力钧、王广义、张晓刚、曾梵志2005年作品《当代艺术巨人》为例，这套包括十件作品的丝网版画，自2006年11月至今已7次上拍，几乎每年的春拍、秋拍都会露面，甚至一月中连续两次上拍（表2）。此外，这一系列中的部分作品还单独上拍多次。这一现象并非中国所独有，法国艺术家安德列·洛特的《Le Tir Forain》2007年也三次上拍，一次在法国的利摩日卖了8200欧元，其后在伦敦和凡尔赛分别以12580欧元、2万欧元出售。这种匪夷所思的频繁上拍，一方面显示了投机炒作的程度，从深层原因看，作品短期内频繁换手，也显示买家对作品的艺术价值与市场前景缺乏信心。

　　在金融危机的冲击下，市场可能进入一个矫正期：艺术品的价格将回归价值，那些因炒作而虚高的作品价格将因缺乏学术价值的支撑而坍塌；在去杠杆时代，艺术品的估值标准可能与其他资产一样需要重新调整，尤其是在中国当代艺术品屡创天价和其他新兴市场崛起的背景下，一些海外藏家的趣味开始转换，如2006年开始大规模收购中国艺术品的美国美术基金（Fine Art Fund），今年初停止买入，转而关注印度、中东的艺术品，海外收藏目标的多元化无疑将影响中国当代艺术品估值；成交量的下滑，将使一些缺乏实力的小型画廊、拍卖行被挤出，行业的集中度趋于提升，大型机构由于犯错成本高昂，不规范行为往往较少，因而市场有望向规范方向递进；随着危机带来的消费萎缩，买得起的艺术品将成为新的方向，事实上，2008年春季入场的大量新买家，就对低价作品表现出偏好，一些画廊因此开始力推青年艺术家作品、摄影作品、版画等低价位艺术品。根据Artprice的统计，艺术品市场90%的交易在1万欧元以下，50%在1000欧元以下，随着艺术收藏走向大众化，为中产阶级所接纳，一个由高中低价作品构成的多层次艺术品市场结构会更为成型，其价格支撑更加坚实。
　　市场的热度减退之后，艺术家或将更专注于创作。如今，一些艺术家开始有意识地改变创作风格与类型，如刘小东转向大型项目、曾梵志开拓乱笔系列。巅峰艺术家的转型与青年艺术家的涌现终将合流，成为推动新一轮艺术品高潮的动力。

　　谁拥有中国艺术品的定价权？
　　中国当代艺术品的蹿升始于2006年纽约苏富比拍卖的张晓刚作品，目前改写中国当代艺术品价格纪录的拍卖大半由苏富比、佳士得等拍卖行在纽约、伦敦创造，可以说，这两地是中国乃至亚洲艺术品的强势定价者。然而，金融危机之后，随着美国、欧洲的流动性收紧，亚洲艺术品的拍卖重心开始呈现向香港、迪拜等地转移的趋势，显示中国当代艺术品的定价权将向香港、北京转移。敏感的苏富比则在刻意地推动这一进程。苏富比不仅从2008年初开始把现代及当代东南亚艺术拍卖从新加坡移师香港举办，还将从2009年起，合并在香港、纽约、伦敦及巴黎举行的“当代亚洲艺术专场拍卖”，全部放在香港举行。
　　与此同时，中国本土拍卖行也通过创出价格新高，与苏富比、佳士得两大拍卖行争夺话语权，以7952万元创下中国绘画作品最高价的仇英《赤壁图》，即由中国嘉德在2007年秋季拍卖会成交。事实上，本土拍卖行的市场份额近年不断攀升，过去12个月，在全球当代艺术拍卖额最高的十大拍卖行中，6个来自中国（表3）。

　　本土拍卖行的话语权加强，与本土买家的财富增长、购买力强劲有关。近年来，新兴市场的崛起带动了艺术品买家的全球化。苏富比2007年的统计表明，2002年之前单幅作品出价超过50万美元的买家主要来自26个国家，2007年同等级别的买家则来自58个国家，中国、印度、俄罗斯、中东国家都是重要的来源地。
　　艺术品市场从单极化向多极化演变，是全球经济向多极化发展的镜像，苏富比、佳士得等中介机构则起到了促进作用。它们凭借长年练就的敏锐嗅觉，率先在新兴市场搜寻热点，并在伦敦、纽约等全球艺术品交易中心拍卖，以此为其定价；此后，再将相关拍卖移师当地金融中心举行，开发新的买家群体，吸引当地资金介入本土艺术品市场；之后再发掘新的热点。因此，本土买家也须警惕，防止自己成为这一击鼓传花游戏中最后的接棒者。

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　　自2003年以来，国内艺术品市场一直处于上

　　升通道，中国艺术品开始受到全球的追捧。根据最新的艺术品拍卖市场调查报告资料，2007年度全球中国艺术品拍卖市场总成交额约236.9亿元，2006年度全球中国艺术品拍卖市场总成交额是168亿元，较2006年增长29.10%。热钱往哪里去？大部分行内人士持续看好2008年的中国艺术品交易市场。与此佐证的是，经济发展催生了国内新富豪和中产阶层的形成，而消费和收藏艺术品，正成为这个群体新的时尚和主张。在2008年3月1日晚举办“AAC2007艺术中国·年度影响力”活动中，发布了胡润关于中国千万富豪品牌倾向调查结果，调查显示当代艺术品收藏已占中国千万富豪收藏比率的37%，远远高于手表、珠宝等常规奢侈品。

　　无论如何，艺术品这个市场，这个极具潜力的市场。真赝鉴别、估值判定、流通兑现和需求聚合是保证艺术品市场持续繁荣的四个关键节点。流通兑现是指艺术品交易，而需求聚合则是指艺术品买方市场的形成与相对集中。在四个关键节点中，艺术品的流通兑现是打通和整合整个价值链的核心所在。

　　从上世纪90年代初，拍卖公司成为艺术品流通的平台和中介，拍卖开始逐渐成为艺术品市场交易的主要形式。由画廊与古玩店构成的一级市场以及由拍卖会构成的二级市场，成为艺术品交易的主要脉络。这种线下的交易模式，在中国艺术品兴起的头十年里占有绝对的优势地位，但随着网络的发展，网络交易作为一种新兴艺术品交易模式，开始被藏家所认知、熟悉并接受。

　　互联网对艺术品市场的影响

　　长期以来，艺术品市场是个圈子市场，收藏和消费艺术品需要知识和资本的双重门槛，而让更多的人敬而远之。信息在这个领域流动缓慢而闭塞，更多的信息掌握在少数人手里，使市场上信息严重不对称。互联网对艺术品市场领域的影响，首先体现在市场信息上，艺术网站海量的资讯信息满足了不同人群的需要，论坛、博客、社区等等互动工具的出现，降低了信息沟通的成本，加快了信息在个体之间的传递。

　　其次，改变人们的交友模式和交友范围。在艺术品消费和收藏领域是典型的“偏好”聚合，因为对某一件藏品或者某一类藏品的喜爱和研究，而成为莫逆之交的大有人在。传统的模式中，这种交友的范围被局限在时间和空间上的“当下”环境，而网络改变了这一切。交流模式的多样化和空间化，使交友可以扩展到万里之外。

　　由同好而相识，由相识而相知。先做朋友，后做交易。艺术品网络交易就是在这种环境下逐渐产生，并开始形成一种新的商业模式。交流方式的多样化，交友范围的立体化，交易方式的网络化，是自互联网兴起后对艺术品市场最显著的影响。

　　艺术品网络交易模式和困局

　　从目前看，艺术品网络交易模式主要包括网络拍卖、网络商铺、论坛交易三种。网络拍卖以嘉德在线为代表，平均每天有30多个专场，数千件艺术品，但从其竞价活跃度以及29余万的alexa网站全球排名来看，其会员表现并不活跃，拍卖品也多为当代艺术品。淘宝网相关古董、邮币、字画收藏的商铺已达上万间，藏品已达400多万件，为目前国内最大的艺术品网络商铺区，但其中水平参差不齐，多为粗制滥造之仿品，在坊间并没有多少影响力。

　　论坛交易是通过论坛发帖回帖互动，并辅以站内短信或聊天等达成艺术品交易的方式。这种交易方式隐蔽且不为人知，但由于其互动特征以及ID所代表的信誉，成功率反而高。

　　并非所有的艺术品都适于网络交易，古代瓷器、玉器，以及古代书画等需要仔细甄别真赝的艺术品，单凭网络上照片很难判断，此类艺术品网络成交率因而很低；而当代书画以及中低档位的藏品，因为其低价位与可控的低风险，成交率反而高。艺术品的网络交易的成功率与其风险度呈反比关系，风险越低，成交率越高。这种风险包括藏品真假风险、恶意欺诈风险、藏品运输安全风险以及资金安全风险等。由于网络的虚拟性，以及会员信用体系的缺失，使网络欺诈等交易纠纷屡见不鲜。

　　如何走出艺术品网络交易模式的困局

　　艺术品网络交易的核心在于艺术品的真假，而隐藏在艺术品真假背后的是人心。当代艺术品和高档工艺品由于基本不存在真假问题，所以其电子商务化就会现实许多。定位于“大中华区艺术品收藏投资社区”艺超网（www.cangcn.com），以“社区+电子商务”模式，坚持“先做朋友，后做交易”的理念。社区的概念不仅包括网上论坛、藏友圈、博客、专栏等形式，还包括各种形式的沙龙和网友会。在线上和线下的交流中，几个人或者多个人形成相熟的圈子群体，这种圈子群体由于个体之间的熟知，从而形成对每个人的约束力，这种约束会让每个人都尊重其ID所代表的信誉和品牌。

　　社区内多个类似的圈子建立之后，就会形成以珍重ID信誉为基础的社区文化。这种文化会对社区内的会员产生正面的引导作用。在此基础上，引导建立多个会员制度交易俱乐部，并制定相应的制度。“朋友的朋友是朋友”，介绍人制度、信誉等级制度、积分制度和连坐制度，可以将俱乐部会员在尽量可控的情况下向外围逐渐扩大。

　　艺术品交易的电子商务离我们还有多远？

　　电子商务代表了互联网未来的发展方向，艺术品网络交易方兴未艾，但由于艺术品以及艺术市场本身所固有的特性，注定了这种过程更复杂。艺术品市场包括艺术品收藏市场和艺术品消费市场。艺术品收藏市场以古董和当代艺术为主，知识和资本的双重门槛决定了这是个小众市场。而艺术品消费市场，以奢侈品、高档工艺品及当代书画为主，是具有潜力的大众市场。两个市场之间不存在泾渭分明的界限，只是市场的两端。

　　高端艺术品的交易以拍卖会为主；中、低端艺术品收藏和消费市场，会使其网络交易更加现实。“社区+电子商务”，利用社区的形式，建立交易双方的互信关系，用信用考核和保障体系对交易双方进行约束和规范。一个成熟的艺术收藏投资交易社区的形成和相关制度的到位之后，艺术品交易的电子商务就在门口，触手可及。

admin 艺术 电子商务, 艺术品

 　　2002年，当艺术青年周文翰带着我第一次在798的破厂房里闲逛的时候，我还以为，那个地方只是一个新的东村或圆明园画家村。

　　我依稀记得那个午后，我和周文翰摸着黑走进了时代空间背后的仓库，随便到艺术家的工作室闲聊。我们不认识他们，他们更不认识我们。但没人装腔作势。

　　好一个大泡泡

　　刘野那时候，正在往一群胖头小人儿上抹颜料。他能停下来，给你讲一大堆，无论你是谁。那会儿798没有游客，只有一帮圈子里的人和记者偶尔飘来飘去，跟鬼影一样。

　　刘野画的那些小人儿，那时候最多卖两三万，五年后，一张小人儿，卖到了700多万。

　　第二年，蔡国强在索卡画廊办了个展，开幕式后，便门可罗雀。我在那次展览上，看到了传说中的火药画，我问经理，那画多少钱。她说，十万。我吐了一下舌头，心想老蔡真牛，随便在破纸上滋花都值十万，没成想五年后，蔡国强的火药画卖了7000多万。

　　据英国《星期》周刊估算，2005年至2006年一年间，中国当代艺术品价格升幅达983%。史玉柱说，成功的营销是能把狗屎卖到黄金的价钱。五年来，当代艺术家的一泡屎已经比钻石都贵了。

　　现在，这个泡沫总算碎了。

　　谁在玩这个大泡泡

　　在刚结束的香港苏富比秋拍上，47件中国当代艺术品，仅成交28件，总成交额1.17亿港元，不到最低估价的一半。张晓刚的“大家庭1号”只卖到“大家庭3号”的一半。他的“大家庭2号”将出现在月底的佳士得秋拍上。也许，张晓刚的大家庭，会越来越破落。

　　所有人都知道，艺术品收藏在一场百年不遇的全球经济危机中，将受到直接冲击。就像美国艺术资本集团CEO伊恩·派克所说的：“很多曾踊跃购买当代艺术品的华尔街人士现在都在担心失去工作和奖金，而当你的财务状况受到威胁时，你要停止做的第一件事就是购买昂贵的艺术品。”

 　　在各类艺术品中，最具投机性的是当代艺术品。因为没有人能对这些艺术品的真实价值，做出准确界定。中国当代艺术品则是西方艺术市场链条中的次级贷———是泡沫中最脆弱的一个环节。

　　上世纪90年代，当方力钧等人第一次站在威尼斯的街头的时候，如西客等熟悉中国又具有远见卓识的艺术投资者就瞄准了中国当代艺术品的投机空间。

　　90年代末，当这些明星艺术家被纳入到西方画廊体制之中时，当代艺术品市场才开始形成。主导中国当代艺术价值判断的外国资本，开始主导操纵当代艺术品的定价权。

　　自此，798由一个非主流的艺术家村，变为带有浓重商业味道的艺术品展出和交易市场，并成为主流北京的一张新名片。

　　泡泡碎了，没有以后

　　中国当代艺术吃着狼奶长大了，能跑了，甚至显得领先了，但是，它远未做好断奶的准备。

　　早在去年10月，那些早已意识到次贷危机严重性的西方收藏家，开始大量抛售中国当代艺术品。美国收藏家霍华德·法伯将其所藏的44幅中国当代绘画全部送拍。今年4月，仕丹莱收藏基金将108件中国当代艺术品悉数抛出。

　　与那些价值早有定论的传世佳作相比，中国当代艺术品就像一只可以随意坐庄的小股票，玩家炒的是短线，做的是空壳。岳敏君的“傻笑”，就像去年股市那只一飞冲天的北京烤鸭，它飞得有多高，将来跌得就有多惨。

　　与股市和房市不同，政府不会拯救这个完全靠外国炒家和洗钱者繁荣起来的投资市场。4万亿拉动内需的计划中，没有当代艺术，它离人民已经太远了。

　　马未都说，西方人的艺术投资90%“在库”，只有10%“在途”。中国人艺术投资99%“在途”，几乎没有“在库”。

　　2006年，伊门道夫作品在798展出，这位已故德国新表现主义大师的一张大幅油画作品，仅卖10万人民币，不足一个中国三流画家作品的零头。

　　因为，这类不上不下的大师，稀缺性不强，价值太确定，没有炒作空间。

　　中国的当代艺术品，则已经不再是一种收藏品，而是一种纯粹的短期投机产品。这一投机产品的主要价值是概念，就像一只新概念下的IT业股票，它的价值越不确定，越易投机，一上市，就被炒得天高，但泡沫一碎，就立马跌破净资产。

　　国庆后的一个周末，我今年最后一次去798闲逛。这里如今有170多家画廊，一天就有几万人看展览。看上去仍旧很繁荣。

　　但是，798不是故宫，不能靠卖门票养活自己。798不是家乐福，它只是一个红桥市场，由很多摊位组成。没人买画，这些艺术个体户，便将如鸟兽散。

　　只有那些已经赚足了油水的大腕们，能够硬撑门面，熬过这个冬天。

　　这个圈子里的所有人都知道，中国当代艺术的泡沫已经破碎了，只是，没人知道，这之后会怎样。

admin 艺术 艺术品

随着网上艺术品拍卖的日趋火热，以艺术家—艺术经纪人—实体画廊三者为核心的传统交易模式正受到严峻的挑战。

　　上个月是艺术界的“黄金月”，不但有弗里兹艺术博览会(Frieze Art Fair)、特纳奖(The Turner Prize)这两场“重头戏”登场，而且成功搭建网上艺术平台的萨奇画廊(Saatchi)，在伦敦市中心切尔希(Chelsea)的帝王路(King’s Road)占地7万平方英尺的新址开张，也为艺术界添上了浓墨重彩的一笔。然而，在艺术世界里，光彩夺目的10月并不能令所有的人都欢欣鼓舞。

　　最近，有“当代艺术第一红人”之称的达明安·赫斯特(Damien Hirst)又有“惊世骇俗”之举。他绕过了自己的艺术经纪人，直接将作品送到网络平台上进行拍卖。虽然，你可以将这个行为理解为艺术家个人不按常理出牌，但这个行为却着实撼动了传统艺术市场的交易规则，令整个艺术交易行业为之震惊。随着网上艺术品拍卖的日趋火热，以艺术家—艺术经纪人—实体画廊三者为核心的传统交易模式正受到严峻的挑战，到底这种模式在当下的环境中还能存活多久?是否在不久的将来，在艺术界，实体画廊就将难觅踪迹?在深入接触了众多艺术交易的圈内人士之后，三维室内设计网站Mydeco的艺术版编辑安妮·逖金(Annie Deakin)就撰文发表了自己的观点，网络世界将引发一场当代艺术交易的革命。

　　开设艺术网站的事情可以追溯到上世纪，1999年，“眼球风暴”(Eyestorm)已经开始在网上出售当代艺术作品了。但是，虚拟艺术网站对实体艺术画廊造成猛烈冲击，还要从萨奇画廊开始说起。2006年，萨奇(Saatchi)开创性地启动了网上画廊——“您的画廊”英文版，免费为艺术家提供作品展示的全球平台，借助网络的交互技术，艺术家和收藏家跳开画廊、拍卖中间商直接对话的梦想成为现实。短短两年之内，这个网站已发展成为世界上最大的供艺术家和收藏家会面聊天和展示艺术作品的集会点。接着，去年，萨奇又将触角深入中国艺术领域，如法炮制了网上画廊的中文版，不但吸引了众多年轻的艺术家和艺术投资人，更网罗了张晓刚、王广义、岳敏君、曾梵志等中国当代艺术炙手可热人物的最新作品。与此同时，来自虚拟世界的冲击波对于传统画廊来说是如此迅猛，令人感到措手不及，但这还仅仅是个开始。其后蜂拥而来的还有55 Max以及真实艺术公司(The Real Art Company)等艺术网站，虽然这些网站在艺术作品销售领域各有所侧重，但毫无疑问，它们的存在和壮大，已经让传统艺术交易行业人士打心底感到了阵阵凉意。艺术经纪人们发出了这样的疑问：“艺术家在将来还会需要实体画廊吗?”

　　不过，试着从艺术家的角度来思考这个问题，不介入到网络的虚拟世界中，是否还会有人注意到他们的存在?创立威尔的艺术仓库(Will’s Art Warehouse)和买得起艺术节(Affordable Art Fair)的威尔·拉姆齐(Will Ramsay)，曾经以传统艺术交易手法的捍卫者的立场评论说：“鉴赏和购买艺术品，是个相当微妙而难以言喻的过程，你必须在合适的光线之下看到艺术品的三个维度，而在屏幕上这两个要素不可能同时被满足。”而威尔·拉姆齐也很明白，有人会对此观点反唇相讥：“很多人不喜欢闯入画廊，觉得气氛不适合他们。这也是为什么他们选择了在虚拟的空间里购买艺术品。而他们发现自己买了一幅名不副实的作品时，他们还得有能力把它退回去。”

　　威尔·拉姆齐对购买者的心理已经相当了解，因为安妮·逖金也在她的朋友圈子里发现了这个现象，她的一个朋友，室内设计师皮亚·马登(Pia Munden)wholesale oil painting，oil painting 购买照片的经历就能说明这个问题。和很多人一样，皮亚·马登在购物方面也经常拿不定主意。这一次，不知什么原因，她在“眼球风暴”上看中了瓦内萨·沃伦(Vanessa Warren)的一幅“粉色玫瑰”，“当时它在网上的待售价格是375英镑，而我最后回复了电子邮件说我愿意出250英镑。”而现在，这幅作品正在从美国运往英国的途中。“如果放在艺术画廊里，我还必须和艺术经纪人讨价还价，估计这笔生意就做不成了。”显然，把作品放到网络上直接销售，让年轻艺术家有了更多和市场接近的机会，而更多普通人也会在偶尔怦然心动之后，做一回业余买家。

　　而从现在的国际局势看来，投资艺术品对投资人来说硕果仅存的安全可靠的投资项目，当代艺术的作品就像黄金一般，所具备的保值能力和升值能力将在未来的经济发展中，更充分地显现出来。达明安·赫斯特的这次出手，对于艺术界来说可能是一个标志——虚拟网络即将使艺术品的商业化更进一步，艺术家更进一步地涉入到了商业之中，也许在未来，一个成功的艺术家必须是一个销售精英或者成功的商人？

http://www.goldappleart.com

http://www.oil-painting-china.com 

admin 艺术 画廊, 艺术品

2007年中国文物艺术品市场的发展总体形势是继续在调整中回热。可以说，市场已出现了“拐点”，表现出一种“转暖复苏”的走强态势，但仍然有不少重要的问题亟待解决。

一 2007年中国文物艺术品市场发展态势

我们考察了作为一级市场主体的画廊业、古玩市场和文物商店，以及作为二级市场主体的拍卖公司、艺术博览会等。具体来看，2007年中国文物艺术品市场的发展态势及特点主要表现在四个方面。

（一）中国文物艺术品市场继续盘整，市场逐步回暖

1 中国文物艺术品市场回暖的原因

中国文物艺术品市场继续处于调整期，回落的市场开始好转。其原因有以下几个。

第一，投资规模加大。不少收藏者和投资者都认为中国文物艺术品精品佳作存量有限，看好其市场前景。因同期股票市场处在高位，有些投资者在股市获利后转向投资艺术品，这些增量资金进入文物艺术品市场之后，对市场起到推波助澜的作用。文物艺术品市场人气转旺，天价频出。这些都反映了收藏者和投资者对文物艺术品市场的信心和有力推动。除了个体投资者，还新增加了一些有实力的文物艺术品拍卖公司，从而更增添了市场的活力。

第二，拍品质量逐步提高。2007年春拍，中国嘉德、北京保利等拍卖公司的拍品档次都较以往有一定的提高，不乏精品佳作。经过20多年的市场锤炼，经过前几年的狂涨而后低迷，收藏者和投资者对投资文物艺术品已经更加成熟和理性。2007年，优秀的艺术品成交价格再创新高，但质量一般的作品价格持平或回落。市场逐步成熟，投资者对市场泡沫行为有了清醒的认识，同时对艺术品真赝的辨别能力不断增强。这就在市场供求间形成了良性互动的局面。拍卖公司的泡沫和赝品也少了，恶性竞争也逐步减少，拍品数量和质量控制得较好，更加有利于艺术品市场的良性发展。

2 中国文物艺术品市场回暖的特点

2007年中国文物艺术品市场交易活跃，买气渐旺。按分类来看有以下特点。

一是书画名家大作挑大梁。中国嘉德公司拍卖的陈逸飞《黄河颂》以4032万元成交价创造了内地油画拍卖最高纪录。中贸圣佳公司的《南巡纪道图》手卷以3696万元创下2007年春拍古书画拍卖最高纪录。北京保利推出的李可染《漓江胜景图》镜心以1518万元创下2007年近现代书画拍卖市场最高价。

二是瓷器“大器称雄”。北京翰海拍卖公司拍卖的清乾隆粉新霁蓝描金花卉大瓶以2408万元的高价成交。中国嘉德公司拍卖的清代雍正绿地粉彩描金镂空花卉纹香炉以2643万元高价成交。这两件瓷器成为内地瓷器拍卖的亮点。

三是古籍成交率创新高。2007年北京古籍拍卖市场势头很旺，中国嘉德公司春拍古籍善本专场近百件拍品总成交额2000余万元，成交率为73%。中国书店2007年春拍成交373件拍品，总成交额为1103万元，成交率为75.18%。

四是钱币拍卖创造新的纪录。中国嘉德拍卖公司拍卖的“民国孙中山像银币金质呈样试铸币”、“金代天眷通宝真书折二钱币”、“宣统辛亥年陕西官银钱号拾两纸币”分别以616万元、134.4万元和69.44万元刷新此类拍品拍卖世界纪录。

按文物艺术品年代来看，古代艺术品比近代艺术品交易活跃，成交价高。近几年来中国古代艺术品价格不断走高，这是国人重新夺回艺术品定价权的一个开始。从2006年起，中国古代宫廷御用屏风、瓷器到古书画、古代佛像、成扇，价格全面走高。而一些近现代艺术品，由于前两年的人为操作，出现一些虚高的现象，近来出现了回落。

3 对书画市场回暖的具体分析

下面以2007年春拍的书画市场为例，来具体分析中国文物艺术品市场的回暖势头。据雅昌艺术网的公布数据，2006年书画成交率大多在50%~70%间低位徘徊，而2007年春拍，许多场次的成交率均在80%以上。“静观居藏傅抱石、张大千精品”专场以100％的成交率落槌。

从国内几家著名拍卖公司2007年春拍中国书画拍卖成交情况来看，中国书画行情上涨势头良好。各主要拍卖公司拍卖成交额依次排列：第一是中国嘉德，书画总成交额2.47亿元，与2006年秋拍相比，书画成交额增长49.1%，增幅为8158.22万元；第二是北京保利公司，它作为一家新拍卖公司，已迅速跻身国内一线大拍卖公司行列，不仅当代艺术成为其强势品种，中国书画也咄咄逼人，公司成交额高达2.07亿元，比2006年秋拍增长8002.1万元，增幅为62.68%；第三是北京翰海公司，书画总成交1.43亿元，比2006年秋拍增长5566.03万元，增幅为63.6%，其中古代书画和近现代书画虽逊于中国嘉德和北京保利，但当代名家书画和当代名家册页两个专场成交额达3755.9万元，当代书画成交额位居国内“老大”。此外，西泠、朵云轩、匡时三家拍卖公司在2007年春拍中也成交不俗。

在《三峡新移民》拍出2200万元后，2007年当代油画市场也继续走高。2007年春拍，有20余幅油画单价破千万元，数量超过2006年。2007年4月，香港苏富比春拍推出的徐悲鸿油画《放下你的鞭子》以7200万港元拍出，创下了中国油画拍卖的世界纪录。5月，陈逸飞的油画《黄河颂》以4032万元人民币在中国嘉德拍出，刷新了内地油画拍卖最高纪录。6月，在北京保利春拍中，吴冠中的油画《交河故城》以4070万元再次刷新内地油画拍卖最高纪录。岳敏君的《画家和他的朋友们》超过2000万元……

从绘画的品种上来看，中国画比油画交易量大，油画又比版画行情好。中国画中的古代书画精品继续在书画市场中起着提升的作用。版画虽已有起色，但还没有被人们真正地认识，仍处于“冷门”状态。

（二）中国文物艺术品市场“牛市”、“熊市”并存

虽然总的来看，2007年中国文物艺术品市场行情日趋活跃，画廊市场、古玩市场、文物商店、拍卖市场和艺术博览会的机构数量和文物艺术品交易量与2006年同期相比都有明显增长，收藏和投资文物艺术品的队伍进一步扩大，但从市场结构上看，一级市场与二级市场冷热不均，形成了强烈反差。

1 二级市场：“牛市”

从拍卖行业来看，目前全国的拍卖公司大约有4000多家，其中有800多家拍卖过艺术品，有近200家有文物艺术品拍卖资质的企业。2006年艺术品拍卖总成交额为156亿元，2007年各地艺术品拍卖会约千场，总成交额估计还会增长。从一定意义上来说，文物艺术品拍卖几乎被当做整个中国文物艺术品市场的代称，成为文物艺术品特别是绘画流通领域的第一风向标。从2007年春拍成交情况看，5月12日由中国嘉德国际拍卖公司落下第一槌之后，翰海、保利、匡时、诚轩、中贸圣佳、荣宝、华辰等8家公司的成交额占了北京拍卖市场的77%，其中嘉德总成交额超过8亿元，中贸圣佳达到5.5亿元。拍卖资源日益向大公司集中，拍卖市场“金字塔”结构明显。

2007年北京、上海等城市先后举办了艺术博览会。艺术博览会作为一种艺术商业的模式，是目前全球规模最大的一种艺术品展示和交易活动，也是国际艺术二级市场除拍卖之外最大的交易形态。北京2007艺术博览会以“艺术的未来”为主题，聚焦中国当代艺术的发展，受到社会各界和参展商、收藏家及媒体的关注，更使“二级市场”成为2007年中国文物艺术品市场的一个最大亮点。

2 一级市场：“熊市”

2007年中国画廊业得到了进一步的发展，初步估计已超过10000家，其中有1/3赢利，1/3持平，1/3亏损，然而，目前全国经营比较好的只有100多家。从总成交额来看，大约在200亿元左右。虽然成交额并不低，但画廊业并没有发挥作为一级市场的基础性作用，没有为二级市场的拍卖行业做好“金字塔”的地基。我们对国内几个画廊业发展得比较好的城市作简要分析，北京画廊有近千家，其中有40%~50%的年销售额在100万元以下，20%~30%在300万元以下，10%~20%在1000万元以下，10%超过2000万元，只有个别超过一亿元。上海的画廊有近千家，有10年历史的画廊已剩下不多了；杭州现有的画廊有近200家，其中经营的比较好的也是少数几家，有10年历史的只有几家。目前画廊业的发展步履维艰，在我国整个文物艺术品市场结构中是“功能缺失”的，这与拍卖市场形成强烈的反差。

“一级市场”与“二级市场”相比，不论是人气还是资金放量方面都处在低迷的状态。拍卖市场的火爆与画廊市场的冷清，反差如此强烈，反映了中国文物艺术品市场的繁荣是一种畸形的繁荣。

（三）文物艺术品经营与金融资本相结合，提供了更多的艺术品市场的商业模式与投资者理财方式

中国文物艺术品市场的发展，也带来了艺术品市场中介机构在商业模式上的创新。2006年底，上海市文化发展基金会和徐汇区筹建了国内首家艺术银行，从事艺术品租赁业务。每件艺术品的年租赁金约为其本身价值的10%，其客户对象目前以企业、酒店、驻外领事馆为主。同时，北京设立了艺术家信托基金会，艺术家向信托基金会提供自己的作品，从而在信托中获得投资份额，所有的作品构成“共同艺术品库”，艺术家的收入来自这些作品的销售收入。当信托基金会售出一件作品时，20%作为手续费和管理费返给信托基金会，40%汇入艺术家账户，另40%则纳入公积金账户，按每位艺术家在信托基金会的投资份额分配。这是艺术品市场商业模式和金融模式的融合，使艺术品基金化和证券化。

另外，2007年6月18日，民生银行推出非凡理财系列，其中“艺术品投资计划”1号产品引来众多关注目光。这款以私募基金形式出现的理财产品的诞生，标志着国内金融资本首次涉水艺术品市场，具有开创性的历史意义。“艺术品投资计划”1号产品为非保本浮动收益型，投资期限为2年，客户优先收益率达18%。最低投资金额为50万元，以10万元整数倍递增。所募集资金将按比例投资于中国现代书画和当代艺术品。虽然该计划一经推出就争论不断，但更重要的是，我们看到了中国艺术品市场已逐渐步入了一个崭新的金融时代。

与此同时，2007年6月25日，渣打银行（中国）有限公司启动了私人银行业务。8月6日和8日招商银行与中信银行旗下的私人银行业务相继开业，加之2007年3月中国银行成立私人银行部，这些银行开展私人银行业务，从一定程度上也是看好艺术品收藏与投资的市场。银行业通过私人银行业务的渠道来介入艺术品市场，将会对中国整个艺术品市场的发展产生积极和深远的影响。

（四）有关部门及行业协会出台相关法规，进一步规范文物艺术品市场

为了促进中国文物艺术品市场健康有序的发展，文化部文化市场发展中心艺术品评估委员会在2006年5月成立。该委员会设立书法绘画、玉器珠宝、金属器、陶器、综合艺术、科技检测、法律资讯、艺术市场资讯8个工作委员会。其服务内容有：为政府部门规范、管理市场提供专业支持；逐步完善中国艺术品行业登记认证数据库；为艺术品提供真伪鉴定证书等。

国家税务总局出台了《关于加强和规范个人取得拍卖收入，征收个人所得税有关问题的通知》，明确对个人通过拍卖市场拍卖各种财产（包括字画、瓷器、玉器、珠宝、邮品、钱币、古籍、古董等物品）的所得计征税收，其中包括作者将自己的文字作品手稿原件或复印件拍卖取得的收入，应以其转让收入额减除800元（转让收入额4000元以上）后的余额为应纳税所得额，按照“特许权使用费”所得项目适用20%税率缴纳个人所得税等重要款项。

中国拍卖行业协会目前正在讨论修改《文物艺术品拍卖技术规程》，这个规程对规范文物艺术品拍卖有着重要的指导意义。

二 2007年中国文物艺术品市场存在的问题及对策建议

（一）主要存在的问题

尽管2007年中国文物艺术品市场逐步回暖，但仍然存在着以下三个方面的问题。

1 “跳级”现象

二级市场是“牛市”，一级市场是“熊市”，这是由“跳级”现象引起的。在西方成熟的艺术品市场模式中，画廊业是一级市场，普通作品在其中买卖；拍卖业是二级市场，重要作品才可进入。有的国家甚至规定，只有过世画家的作品才进入拍卖市场。然而目前我国的现状是，由于拍卖公司创造的成交纪录会迅速带动作品行情，因此一些中青年书画家没有经过画廊的培育，通过包装使作品价格有所起色后，就直接拿作品到二级市场上拍出惊人的价格，这就出现了“跳级”现象，这也是中国书画市场的独特现象和问题。

而一些拍卖公司又与书画家签订私下协议，甚至大幅降低佣金以增加拍品数量。同时有的画廊放弃独立经营模式，急功近利地与拍卖公司“联姻”，把代理画家的作品大批送到拍卖公司。这样，画廊的功能被拍卖公司取代，而拍卖公司也失去高端的二级市场的意义，成为一个事实上的“大卖场”。这不仅说明一级市场存在功能缺失，而且也说明二级市场本身存在制度规范方面的缺失。

我们知道，艺术品市场是由艺术品购买者、艺术品供应者、市场中介三方面构成的。而在“跳级”现象中，艺术品价格由艺术品供应者或市场中介控制，从而难以维持艺术品交易的良性运转。就拿书画来说，它的价格是按平方尺来计算的，但有的中青年书画家的尺寸价格，是由作者本人来确定的，或与画廊、拍卖公司商定的，而不是根据市场规律和价值规律来确定的。作品随意定价，大大影响了收藏者和投资者的积极性。

2 浮夸现象

中国艺术品市场发展中存在的另一个问题，就是媒体中出现一种“浮夸风”。具体表现为：一是对艺术品过高估价，有些电视台艺术品收藏类的栏目中，收藏者带着所谓的“宝贝”去电视台请专家鉴定，然后捧着电视台出具的证书，说是专家估价过了，该藏品价值多少，而有的“宝贝”价值并不高，但通过有关媒体这样操作，价格就可以涨几倍、几十倍甚至上百倍；二是只说艺术品的升值，从不说风险，有的媒体只说艺术品的收藏和投资升值的传奇故事，对艺术品的真伪风险、交易风险等从不提起，这样就会误导大众，以为只要买进了艺术品都能赚钱，实际上艺术品市场与股市一样，入市有风险，投资需谨慎，媒体应该给收藏者与投资者以风险提示；三是缺少依据，先吹为快。有的媒体为抢新闻，在对真相并不了解的情况下向外吹嘘。比如对沉没于广东阳江海域的宋代商船“南海一号”，就有媒体不负责任地炒作。

3 浮躁现象

中国文物艺术品市场发展过程中还暴露出另一个问题，就是从作者（艺术家）、收藏家到投资者和经营者都存在着一种浮躁的心理。比如，有的书画家，不仅心理浮躁，而且作品浮躁，他们为了某些商业利益，作品只求数量不重质量，成为“高产的艺术家”；有的艺术品经营者，不注重培养和规范市场，今天什么作品能赚钱就操作什么艺术品，缺少经营的理念和特色；有的收藏者和投资者缺乏长远的眼光，只是为了短期投机，急功近利。

上述三个问题，严重地影响着中国文物艺术品市场的健康发展。

（二）对发展中国文物艺术品市场的建议

1 严格规范经营行为，提高服务水平和质量

中国文物艺术品市场已开始从无法可依逐步走向依法经营。在这种背景下，收藏者和投资者对市场更加理智，市场的发展也趋向成熟。为了中国文物艺术品市场继续健康发展，建议有关部门制订从业人员行为规范，包括业务标准、道德标准、执业资格等；提高一级市场和二级市场交易机构的门槛，不仅是注册资本的门槛，还应每年对从业人员进行培训和考核等。

2 建立健全有关行业规章和法律法规，完善文物艺术品市场交易的法律法规体系

中国文物艺术品市场的健康发展，根本上在于制度的、规章的、法律的保障。建议从以下三个层面继续制定相关的法律法规。第一是继续制定和完善文物艺术品保护、流通和交易的法律法规，比如艺术品收藏、艺术品投资、艺术品经纪等法律法规，与拍卖法和文物法配套。第二是要制订出激活文物艺术品市场的行政法规，比如与有关法律配套的实施细则，最好是几个主管部门联合发文颁布，避免内容重复和相互矛盾。第三是相关的行业协会，要制订自己的“行规”。比如，画廊业、拍卖业、古玩业、艺博会等都要制定自己的“行规”，这样才能规范行业的运作模式。

3 创造文物艺术品市场发展的艺术生态环境

文物艺术品市场的发展有其自身的规律，为了使文物艺术品市场健康和谐地发展，我们要按照其规律深入研究艺术生态环境，使艺术产品在传播和消费中具有新的生命力。同时还要研究艺术生态环境的多样性，比如艺术生态环境与自然环境的关系问题、艺术生态环境与民间艺术的关系问题、艺术生态环境的保护、传承与和谐发展问题等等，从而逐步建立起有中国特色的艺术经济生态学。

三 2008年中国文物艺术品市场发展预测

（一）奥运藏品将成为市场的一个热点

自从北京申奥成功之后，收藏品市场就刮起了一股“奥运风”。特别是在北京奥运会倒计时一周年之际，由国际奥委会、中国奥委会、北京奥组委共同主办的“国际奥委会奥林匹克珍藏品中国巡展”，从北京到天津、上海、南京、广州等十几个城市巡展，展出了700多件国际奥委会奥林匹克博物馆的馆藏珍品，把收藏奥运纪念品、艺术品和工艺品等藏品推向了一个新的高潮。目前有的奥运藏品已涨了几倍，如北京奥组委批准发行的奥运题材金条。因此，随着2008年奥运会的临近，奥运藏品将成为收藏品市场的一个热点。同时，正确选择增值潜力大的藏品，才能控制收藏的风险，才能理智收藏和投资奥运藏品。

（二）现代艺术将成为市场追捧的一个亮点

2007年中国当代艺术品已出现了井喷行情。3月31日纽约苏富比举办的中国当代艺术品专场拍卖会，总成交额1323万美元，其中张晓刚单幅油画作品《同志》以97.92万美元成交。以此为契机，中国嘉德、北京保利、北京诚轩等拍卖公司都举行油画专场拍卖会，屡屡创下中国当代艺术新高。2007年10月纽约苏富比秋拍推出了亚洲当代艺术和中国瓷器工艺品两个中国艺术品专场，总成交额为3.8亿元人民币。其中张晓刚的早期作品《创世篇——一个共和国的诞生》和另一件“血缘”系列作品《血缘：同志》分别以2372.31万元和2071.635万元成交。岳敏君的经典力作《公主》以1608.515万元成交。方力钧的作品《98.10.1》以1332.054万元成交。这些新的纪录对国内艺术品市场的发展起了重要的推动作用。

因此，从中国当代艺术品在国内外价格不断走高的形势来判断，2008年中国当代艺术品板块将是一个亮点，其理由是当代艺术已逐步成熟并开始具有一定的国际影响力。所以，随着当代艺术品的放量入市和收藏者与投资者的看好，人们对这个市场又增强了信心。所以中国当代艺术品，特别是一线艺术家的精品，价格依然会领涨，新艺术家的作品也会广受青睐。

（三）雕塑和影像作品将成为市场一个新的增长点

在国外艺术品市场，雕塑由于工序复杂、创作时间长等因素，好的作品往往要比油画的价格高。随着我国人民生活水平的不断提高，人们购买艺术品用于家居装饰的越来越多，因而雕塑作品价格在艺术品市场中逐步抬头将成为一种必然。通观2007年的拍卖会，不少拍卖公司都推出了雕塑作品，尽管最终成交价格不高，大多在10万元左右，但拍卖成交率在90%以上，这说明人们对雕塑作品已越来越关注。2008年收藏者和投资者对雕塑作品的关注程度还将会增加，主要是因为目前雕塑作品价格相对低廉，有较大的升值空间。

影像作品收藏在国外已经成熟，但国内还没有引起足够关注。国内市场的影像作品收藏是在2003年以后，当时价格较低，2005年开始成为新兴的投资热点。2006年纽约苏富比秋季拍卖会的“亚洲当代艺术”专场，中国当代摄影图片作为新宠，不论在作品数量上，还是在价格行情上都迈出了重要一步。2007年随着当代艺术品价格的整体走高，影像艺术在成交量和成交价格上都呈现出明显增长趋势。2008年，中国影像作品受国际大环境的影响会出现新的价格行情，但目前国内影像作品的价格与国际市场还有一定的距离，因此上升空间还很大。

（四）市场需求将呈现出多元化的格局

中国具有世界上最大的收藏群体和市场。据中国收藏协会统计，目前全国约有8000多万收藏大军，而且每年还以10%~20%的速度壮大，收藏者和投资者多了，会依自己喜好来选择不同的艺术门类，市场需求也因而出现多元化的格局。2008年，中国传统书画、古代瓷器、古代文玩杂件仍然是艺术品市场投资的主体，而油画、邮品、古钱币、佛像等也会成为众多收藏者和投资者看好的重要门类。

（五）国内与国际文物艺术品市场将逐步接轨

近十多年来，中国文物艺术品市场已出现过两次高潮，带动了整个文物艺术品市场价格的快速上涨。近两三年来文物艺术品的盘整，是符合艺术品市场“三五年一盘整，十年新一轮”的规律的。从市场模式来看，不论是艺术品一级市场，还是二级市场，其运作模式将进一步与国际接轨。从艺术品价格来看，同类艺术品价格的差距将与国外进一步缩小。法律法规、管理理念、人员素质等方面也会进一步借鉴国外的经验，不断完善、深化和提高。中国文物艺术品市场将会逐步实现与国际艺术品市场的接轨。（林日葵）

本文摘自《2008年中国文化产业发展报告》，由社会科学文献出版社授权中国网独家发布。其他媒体不得以任何形式擅自转载，否则将负法律责任。

admin 艺术 报告, 艺术品, 艺术品市场

　　投资者报(特约撰稿人 简乐)在国际艺术市场上，拍卖行与画廊是分工明确的“兄弟俩”，前者专职于少量精品的艺术品交易，后者则负责日常交易。 拍卖是二级市场，画廊是一级市场，在国际市场的日常交易中，“画家——画廊——收藏家”的商业链条已成为一种完善的市场机制。

　　画廊是艺术与市场、艺术家与收藏家的中介和桥梁。优秀画廊甚至影响某种艺术流派的产生和发展，从而影响艺术史的发展方向。

　　利奥·卡斯蒂里——中国艺术圈中人的崇拜偶像，美国画廊业的巨匠，也是当前世界上最有影响的当代艺术巨商，他于1957年创建的卡斯蒂里画廊在几十年中推出了一大批当代著名艺术家，自上个世纪50年代后期以来，除了“大色域画派”的艺术家外，几乎所有重要艺术流派中的代表性艺术家都接受了卡斯蒂里画廊的代理的推介。

　　中国真正意义上的商业画廊从上个世纪90年代末开始起步，与拍卖行相比，中国画廊数量还不够多，大部分集中在北京、上海等经济发达地区。全北京叫画廊的有四五百家，上海也应该是这个数字。但真正合格的画廊全中国也不超过几十家。

　　有人根据资本与资源实力将画廊划分为高、中、低端画廊。而美国的资深艺术经纪人古尔·约翰斯则认为只有两种基本的画廊：代理艺术家的画廊，即一流的商业画廊，这些画廊是艺术家的唯一代理机构，他们把所有的新作品都送到画廊。因为是画廊第一次把他们的作品推向市场，因此画廊就是为他们定价的唯一权威机构。

　　一流的画商首先想到的是怎样扶持最优秀的艺术家，售出的作品价格常常是较低的，因为要维持市场的秩序和稳定，画价的快速增长可能是一个不稳定的因素。相反，二流的商业画廊不代理艺术家，只销售作品，只对以最高价卖出艺术品而获取利润感兴趣。

　　随着中国艺术市场的纵深发展，画廊作为艺术品的一级市场将逐渐发挥出自己应有的作用。其运作也将日渐正规。对于初入此道的艺术投资者而言，经常去画廊逛逛就显得尤为重要。事实是许多著名的收藏家是在画廊中完成了其美术史专业知识的学习，同时也可以实时了解作品价格市场行情。有空，常去画廊看看。

　　《投资者报》：2006年、2007年这一拨艺术市场热来自拍卖行。一年一度的春拍和秋拍成为艺术市场“风向标”，艺术品拍卖几乎被当做整个中国艺术市场的代名词。与之形成鲜明对比的是作为一级市场——画廊的默默无闻。怎样解读这种“倒悬”现象？

　　林松：中国艺术品市场是一个新兴行业，与经济发展相比相对滞后。要实现迅速爆发、自我繁荣迫切需要强有力、综合性的指标，而拍卖行是一个品种丰富、公开、集中又多元的市场，屡创高价的操作方式使它具备足够的聚众效应和新闻效应；同时拍卖行是一个公开的参考体系，新参与者对画廊中新画家的作品，无法判断其价值都可以去拍卖行中找到参考。拍卖行集结了相当的人气，推动了艺术品市场的火热。从“非典”后书画市场的火热，到当代艺术品市场的火热，再到当前古董市场的火热，都有拍卖行的巨大推动作用。

　　画廊是一个个体的经营行为，它的成交额无法统计，不能达到拍卖行的聚众效应和轰动效应。空前繁荣的中国经济和全球化市场的迅速打开，使中国艺术品市场不能按部就班地发展，我们不得不借助二级市场的力量吸引人才和资金，大力发展自身。

　　但是艺术市场的长期可持续发展，需要理性的收藏家、心态平和的艺术家，这些都需要画廊来构造良好的市场基础，缺乏了画廊的基础作用与参与，也会造成拍卖行业务发展的瓶颈，也容易造成整个艺术市场秩序的混乱。

　　画廊的特点决定了它需要长时间来发展，艺术家的培养和收藏家的培养都是一个长期的过程。艺术品的高投资回报率体现在一个长期的投资过程，暴利的奇迹随着市场的理性将越来越难、越来越少，所以画廊的作用将越来越重要。

　　从今年开始，中国艺术市场发展到了第二个阶段，画廊势力开始逐渐崛起，对拍卖行进行有益的支撑和补充。

　　《投资者报》：有一个共识：这一拨艺术牛市是由西方推动的。包括岳敏君、张晓刚、方力钧、王广义所谓“中国当代艺术四大天王”，都是被国外藏家发现并成功推到中国，我们的本土画廊业集体失语，为什么？

　　林松：一个历史原因是“四大天王”的成长历程正是中国改革开放向外走的过程，而此时，中国艺术市场尚未形成，他们只能将作品卖给外国人。当中国经济发展，财富积累到一定程度后，出口转内销，他们作品的价值才被我们认识。现在的我们在为错过的历史买单。

　　“四大天王”这一批，无论从学术体系还是收藏体系来看，他们的作品代表了外国人对艺术的看法，至于是否符合中国人的看法需要时间来检验。所以更为深刻的原因是中国艺术市场审美价值体系的缺失，艺术的评定标准是什么？国外的艺术品经过历史的检验，一方面陈列在博物馆、美术馆让大家鉴赏，一方面在拍卖行和画廊通过清晰的价格得以表现出来，有序可查。作品价格虽昂贵但有一套体系来支撑。

　　审美价值体系的缺失会导致很多问题，目前对于艺术品市场的种种质疑，问题的根源在于自我的标准和体系尚不健全。我们的拍卖行和画廊应减少掠夺性经营方式回到基础性建设，我们的艺术家也应该冷静下来，共同找到并建立我们自身的审美和价值评判标准——中国艺术审美体系，这是核心问题。这也需要媒体、评论家、收藏家、美术馆等共同参与。

　　《投资者报》：怎样划分中国的艺术消费群体？

　　林松：中国艺术市场参与者有三类：一类是专业收藏家，目前在中国的数量还很少；另一类是有投资概念的人，他们也买也卖，起到炒动市场的作用，被我们列为行家；第三类是消费阶层，他们消费几万到二十几万元的艺术品，他们不持有获得暴利的动机，但是有成为专业收藏家的潜质。

　　《投资者报》：画廊的目标客户是怎样的人？

　　林松：画廊是培养基本的艺术家和购买者的，有了基本面才有此后金字塔尖的高端购买者和大师级艺术家。画廊会选择合适的对象，有一部分和拍卖行是重合的，也有一批中产阶层的客户。画廊的生存应该有2/3以上的客户是第三个群体，消费在几万到二十几万元的中产阶层客户支撑。他们收入不错，购买10万元左右的作品就像购买名牌、奢侈品一样并无压力，以身份和品位等精神层面的消费和愉悦为目标来购买。我接触到的欧美、新加坡、印尼、中国台湾、中国香港的客户中有相当一部分都保持着健康的消费心态。

　　这个群体是艺术市场的基础。只有庞大的健康的消费市场作为支撑，才会有逐步进入金字塔高层和顶端的投资家、收藏家。

　　他们的成长需要培养。我们画廊曾经销售过曾梵志、刘野的作品，我们推荐他们以2万元人民币买到，后来拍到三四百万元。因此，建立起客户对我们的信赖，这就是画廊的价值。

admin 艺术 画廊, 艺术品

入世后，和许多行业一样，书画界也对“接轨”翘首以待，然而一道“封杀令”给了中国书画家们一记“当头闷棍”——世界三家最著名的拍卖公司相继将中国书画拒之门外，而日本某旅行社的导游手册竟公然告诫到中国的旅游者：在中国境内购买书画品要慎防上当！

最近，徐悲鸿纪念馆被诉卖假画，则将上述新闻背后的“潜台词”再次凸现：中国书画赝品泛滥、真假难辨。赝品对中国书画危害之深，已令中国书画在国际市场声名狼籍。

而书画造假只是中国书画界混乱状况的部分体现而已，一味追逐名利更是目前书画界的普遍现象。有业内人士惊呼，中国书画诚信危机日益严重，中国书画该到救亡图存的时候了！

书画官司频出

近日在北京市第一中级人民法院开庭的徐悲鸿纪念馆出售假画案，吸引了众多目光。从2001年起，来自德国的约翰先生先后三次从徐悲鸿纪念馆买下多幅国画，其中包括花费10万元买下的徐悲鸿等五位已故著名画家的作品，但约翰没有想到的是，经多方鉴定，这些所谓名家作品竟全部是赝品。

有业内人士向记者指出，美术赝品的交易，其暴利仅次于贩卖军火和毒品。在某些地方，制假售假竟采用了“一条龙”的产业化运作方式，从绘画、题款、裱贴、制印到销售……分工极为细致，甚至还请专人伪造“虫蛀”痕迹。

更令人不解的是，国内的一些拍卖公司公然违背行规和职业道德，为赝品大开绿灯，为赝品出具“身份证”，大开出货渠道。据统计，书画作品拍卖中，真品数量难以过半。

几年来，当这种混乱以法庭诉讼的极端形式屡屡出现时，更搅得现实和潜在的购买者收住了脚步。

上海朵云轩和香港永成拍卖公司于1993年10月在联合主办的拍卖会上拍出了冠名吴冠中的《炮打司令部》，但此画实际是伪作。对此，著名画家吴冠中说：“拍卖前文化部就出面跟他们说是假画，但是他们还是拍卖，卖了50万港币。”为此画家将上海画店朵云轩与香港永成拍卖公司送上被告席。作为中国书画界的第一例侵权案，引起了世人极大的关注。

后来，三年的漫长诉讼有了结果，但被告拒绝向吴冠中公开道歉并声明所拍是假画，最终此案只能以法院向社会发布公告了结。花费巨大精力和财力打官司，虽然胜诉却仍不能为自己讨回公道，年事已高的吴老对此极其无奈，不由喟然长叹：“黄金万两付官司。”

就在吴冠中为自己正名时，1995年张大千《仿石溪山水图》真假纠纷又起。原告在书画拍卖会上以110万元人民币购得这幅画，然而中国当时最顶尖的两位书画权威对此画的看法竟截然相反，北京的徐邦达认为此画是赝品，仅值110元，上海的谢稚柳却认为此画为真迹无疑。六年后的2001年，虽然最终原告最终告赢了拍卖公司，拿回了购画款，客观上却再次使人们在市场外踌躇迟疑。

几乎可以断言，这几个案件的结局给中国书画市场的的发展带来了极为严重的消极影响，一方面导致了画家对制假、售假态度的消极化，使绝大多数画家对制假、售假都采取不予追究、置若罔闻的态度；另一方面使制假、售假非法人员更加有恃无恐，大大助长了书画市场公然售假的欺诈行为。

书画市场五大怪

乱世藏金，盛世藏画，记者采访中,许多书画家还对20世纪八九十年代的中国书画盛况记忆犹新，那时北京琉璃厂几乎天天有成群的香港人转悠，搜寻可以投资的书画作品。然而，近几年中国书画市场伪作赝品充斥，港台藏家的投资热情锐减。

北京的易江先生是一家公司的老总，多年来一直致力于中国书画作品的收藏，但赝品泛滥竟使他无意中成了一位中国书画市场的研究者，“制假贩假是其一，要说中国书画市场的混乱，可以用这么几大怪来概括。”易先生说。

第一怪：假画批发卖

在北京的潘家园等地，齐白石、徐悲鸿、启功、范曾等名家赝品被公开出售，价格从200元到800元不等，常常是营业员刚刚卖掉一张，又从柜台里取出一张一模一样的挂上。在成都一公里长的“书画一条街”上，在苏州久负盛名的“书画一条街十全街”上，徐悲鸿的马、齐白石的虾、郑板桥的竹子、唐寅的美人……随处可见，画价可以从数万元砍到100元。据说这些画都是从几个“著名”的书画批发市场批发来的。

第二怪：赝品藏家爱

有一些所谓藏家，专门以低价收购假画，然后再通过关系请一些有名望的艺术家或鉴定家来题签、题跋，于是假画摇身一变就成了“真迹”。有的藏家认为，假画只要放上几年、几十年，就能以真迹的身份面世了。

赝品缘何大行其道？易江说，有人虽然心知肚明，却仍然乐意购买，然后花钱请鉴定家做真品鉴定，用于送礼或炫耀，投入少而体面至极。正是迎合了这样的心态和需求，书画赝品才一路绿灯。

第三怪：画家满天飞

过去，只有大师级的艺术家才能称之为画家，而如今画家这个头衔已泛滥成灾。易江说，仅在全国范围内敢自称“书法家”、“画家”的人，足足在20~30万人以上。除艺术院校、画院、出版社、书协、美协、群艺（文化）馆外，还有大量的书画社团、机构、企业和无组织无“本本儿”的自由职业书画家。北京“国”字号和“京”字号的书画社团有数百家，各拾时字号的、地市县字号的甚至街道字号的，还有行业字号的，更是不计其数。

第四怪：宰你是小菜

价格黑洞是长期困扰书画市场的一个老问题，也是令投资者最头痛的问题。投资者受骗上当早已不是什么新鲜事了。

易江说，北京收藏圈子里把港澳深珠人一并统称为“广东人”。“广东人”和“山东人”一样，是拍卖公司最受欢迎的买家，因此行内素有“山东人敢买假画，广东人敢花大钱”之说。

易江告诉记者，在2002年秋天的一次拍卖会上，一位财大气粗的山东籍收藏“新贵”，花11万多元买了两张假画，此举立即招徕了在场几位广东藏家的耻笑。而不大会儿工夫，几幅被北京收藏投资者评定价格不超过5000元的扇面组合，又被一位“广东人”以2.5万元的价格买走。

第五怪：“精品”大泛滥

“精品”这个商业名词，现在却在书画界颇为流行。画册不论好坏，通通冠以“精品画驯；画展不管出处，也称之为“精品画展”。相信不少人见识过这种所谓的“精品画驯和“精品画展”，无非还是些大路货，“有的甚至还有些蹩脚货，质量差得让人哭笑不得。”易江说。

书画家十种丑态

据报道，中国美术界目前号称有上百万人的队伍，这充分说明了书画市场的空前繁荣，但长期以来有一种不良风气一直在收藏界和书画界蔓延——重“名头”不重艺术价值。

“‘大名头儿’画家的作品，即使粗制滥造也能卖个好价钱，而‘小名头儿’画家的精品也未必卖得了几个钱。”青年画家李工尖锐指出，一味追逐名利成了书画界的普遍现象，“书画家”这个名词也被名利熏染得“五彩斑斓”。

李工说，时下许多书画家不是刻苦研究技艺，提高水平，而是忙着到各地的艺术博览会“练摊”、卖作品。而书画家到各地走穴早也已是公开的秘密。画家走穴时作品论张卖，不问质量，只看数量，为了在短短的走穴过程中挣到更多的钱，他们也就顾不得作品的艺术性，粗制滥造，有的事先将画刻在木板上就直接往宣纸上樱另一些书画家则热衷参加以开张、庆典、奠基、开幕、节日、纪念日等各种名义举办的书画“笔会”，于酒足饭饱之后一挥而就，然后领到一笔价值不菲的“润笔费”。

无论收藏界、评论界人士，还是书画家们，均给那些追名逐利不顾艺术质量的“书画家”们画了像，记者归类发现约有十种类型：

一是炒作型画家。画家的炒作大多采取如下手法：控制作品上市量、漫天要价、自封大师、为自己组织研究会、收买记者在媒体上为自己摇旗呐喊等等，意在给收藏者造成一种假象，好象其潜在价值已经很丰厚，价格即将上扬。

二是匠人画家。这一类画家匠气十足，一味迎合社会潮流甚至低级趣味，不思进取，只顾赚钱，其作品或粗制滥造或千篇一律，毫无新意。

三是作坊型画家。这一类画家，自己画不过来，或懒得下工夫，干脆招呼一帮手下弟子代劳，合作分工，俨然工厂流水作业，无限量生产。

四是徒有虚名的画家。早年因在艺术上有一定创新而出名，后来止步不前甚至倒退了，但知名度却“遗留”下来了。其作品从题材到笔墨往往都是老生常谈、人云亦云的东西。

五是猎奇画家。有的专门靠画特殊题材扬名，或将西方现代派的一些方法生搬硬套地拿来用在中国画上，但胡乱的创新并没有多少价值。有些人以名利为驱动，动辄打出什么“主义”、“潮流”，时时想充当艺术界的先锋、前卫，将蛮力误以为雄强，将苍白误以为高贵，将杂乱无章看作淋漓尽致，将软弱无力看作柔美多姿。

六是“捞偏门”画家。有的专门以画某一题材自我吹嘘，自封为“虎王”、“猫王”、“梅王”等类称号，还有的自立排名，“第一”、“第二”；有的将艺术制作夸大为艺术创作；有的则牵强附会，生硬拼凑，看起来似乎是标新立异，实际毫无艺术价值。

七是交际型画家。一些书画家缺乏真才实学，于是抄近路、走捷径，巴结权贵，拉拢关系，通过外力来抬高自己的形象。这种画家没有真实本事，只有狐假虎威，狗仗人势。

八是继承型画家。这种画家往往是某个知名画家的后代、亲戚或弟子，其艺术造诣未必很高，但大树底下好乘凉，靠老一辈的知名度，即使自身水平一般，也可吃一阵子老本。

九是官员画家。在书画界，还有一种奇特的现象：一幅作品的价格定位常常与其官职大小有关，社会地位越高，画作的价格越高……这种风潮导致很多画家都争抢美协主席、副主席的职位。

十是奖牌画家。一些人的作品得不到社会的承认，于是为了卖一个大价钱就拼命想办法获奖，各种以捞钱为名的大奖赛应运而生，而且越做越离谱。这些华而不实的大奖只顾赚钱，不注重作品的水平，但却可以让一些画家的作品在交易中升值，给画家们提供了一条自我包装的途径。

admin 艺术 艺术, 艺术品, 艺术家数量

中西“美术”概念差异比较
    如上所述，在中国“美术”一词作为英语fine art的对应概念及术语，迅速完成了在中国的“本土化”过程，形成了上述的特定内涵。因此，汉语“美术”一词与英语fine art的原意是有区别和差异的，这些差异具体表现在以下三个方面。
    1. 从双重概念变成单一概念
    在西方，“美术”一词有广义和狭义之分。就其广义而言，它是一个美学意义上的概念。作为各门类艺术的总称或统称，它不仅包括绘画、雕塑和建筑等视觉艺术，而且包括音乐(听觉艺术)和诗(语言艺术)，有时还包括舞蹈(综合艺术)；就其狭义而言，它是一个单纯的视觉艺术概念，特指绘画、雕塑和建筑。但在中国，“美术”由一个双重概念逐渐变成了一个狭义概念，成为一个单纯的视觉艺术概念，特指绘画、雕塑、建筑、书法和工艺等艺术。

    当人们说汉语“美术”一词是西方舶来品时，通常都以英语fine art为其对应术语和概念。其实，fine art也不是英国“土生土长”的概念，而是法语beaux-arts的对应词。在17世纪后期的法国，beaux-arts、特别是省略两个词之间的连字符的beaux art，最初是作为意大利Arti del Disegno(迪塞诺艺术)的法语对应词，特指绘画、雕塑和建筑等视觉艺术。④ 但它不久便超越视觉艺术的范围，逐渐将音乐、舞蹈、诗歌等纳入beaux-arts(即“美术”或“美的艺术”)范畴，并最终使这一特指绘画、雕塑和建筑等视觉艺术的狭义概念，变成了一个泛指视觉艺术、听觉艺术和语言艺术的广义概念。从某种意义上来说，这标志着西方现代艺术体系的形成和成熟。由于《百科全书》的声誉和权威，从而使这一体系最广泛地传播于全欧洲。从1750至1770年之间，“美的艺术”这一新的艺术分类体系在整个欧洲得以广泛而稳步的传播。到了18世纪末，在德国、英国和意大利几乎所有关于艺术的论述都在使用这一新的艺术分类体系，其不同语种的对应概念术语也随之出现。在意大利，beaux-arts的对应术语是belli-arti，在德国是sch·ne k ü nste，在英国是fine art。美国人同样也是在这一时期接受了这一新的艺术分类体系及其概念。但是，值得特别强调和说明的是，在英国，作为beaux-arts的对应概念性术语fine art再次发生了新的变化。    在英国，法语beaux-arts这一对应概念是fine art。但是，随着时间的推移，较之beaux-arts概念fine art产生了一些变化并形成了自己独特的内涵。首先是词形方面的变化，即不知具体是从何时起修饰词fine被省略而以第一个字母大写的Art取代之。当代英国学者雷蒙·威廉斯(Raym ond Williams)在他的《关键词》(Keywords: A Vocabulary of Culture and Society)中关于“艺术”条目是这样写的：“具有抽象概念的、第一个字母大写的Art有其内在广泛的原理、原则，但却很难说定它是哪一个时期出现的。18世纪时的Art定义与用法不尽相同，但19世纪时这些定义与用法都被接纳，因而使Art的定义更为广泛……1815年诗人华兹华斯写信给画家海顿说：‘我们的职业、我们的朋友与我们创造性的艺术(Art)是高尚的。’”[6] 从这段文字来看，华兹华斯的Art实际上就是法国“beaux-arts”，也就是美学意义上的“艺术”概念，即一个囊括语言艺术、视觉艺术、听觉艺术和综合艺术的广义艺术概念。其次是词义方面的变化。所谓“词义变化”包括两层意思。第一层是指英语fine art由作为beaux-arts的单纯的广义艺术概念变成了一个双重性艺术概念，即作为广义的艺术概念，除了绘画、雕塑和建筑等视觉艺术之外，它还包括语言、听觉等其他门类的艺术；但作为狭义的视觉艺术概念，它仅指绘画、雕塑、素描和建筑等造型艺术。
    如前所述，在“美术”概念传入我国之初，它主要是广义的或美学意义上的，即包括语言艺术、视觉艺术、听觉艺术和综合艺术等，是各门类艺术的统称。在王国维和鲁迅先生的文中，“美术”一词都是广义的。但在蔡元培先生那里，“美术”显然是一个双重概念。例如，在《美术的起源》(1920年)、《美术的进化》(1921年)、《美术批评的相对性》(1929年)等文章中，“美术”显然是广义或美学意义上的概念。但在《在中国第一国立美术学校开学式之演说》(1918年)、《美术与科学的关系》(1921年)、《赖菲尔(欧洲美术小史第一)》(1916年)、《在史太师埠中国美术展览会演讲会之演说》(1924年)等文章中，“美术”一词无疑是狭义的，即作为单纯的视觉艺术概念。值得一提的是，蔡元培先生常常注意向人们说明和强调“美术”概念的这一双重性。例如，除了前面所提到的，他在《美术的起源》一文的开头就指出“美术有狭义的，广义的”之外，他还在1918年4月15日中国第一国立美术学校开学式的演说中声称：“美术本包有文学、音乐、雕刻、图画等科。惟文学一科，通例属文科大学，音乐则各国多立专校。故美术学校，恒以关系视觉之美术为范围。”[5] 77所以，尽管在他的笔下，“美术”一词时而为广义，时而为狭义，却毫不使人感到混乱，或读之不解。
    然而，大约是从20世纪20年代起，人们开始用“艺术”一词作为广义的或美学意义上的概念，而将“美术”一词只作为狭义的视觉艺术概念。随着时间的推移，“美术”一词的广义概念逐渐被遗忘，其狭义也就成了唯一的用法。这一用法日趋普遍和流行，并最终得以确立，且一直持续至今。例如，在目前我国学科分类中，“艺术”是一级学科概念，下设8个二级学科，“美术”便是其中之一，与音乐、设计、舞蹈、戏剧和影视等相并列。值得一提的是，这一变化在中国变得如此干净彻底，以致今天的学者在阅读这些早期文章时，常常把广义的“美术”概念误读为狭义概念。当然，若就“美术”一词在中国由广义的艺术概念变成特指绘画、雕塑和建筑等视觉艺术的狭义概念这一点而言，还不能说是中国“美术”术语及概念的主要特色。
    2. 从特殊概念变成一般概念
    在西方，狭义的“美术”是一个阶段性的概念性术语，它是西方艺术史上数个视觉艺术概念性术语中的一个；但在中国，“美术”一词不仅由一个双重概念变成了一个单纯的狭义概念，而且还由一个阶段性的特定概念变成了一个一般性的学科概念。
    在西方，fine art或Art(美术)是一个阶段性的术语，它只是一系列视觉艺术术语中的一个。古希腊在视觉艺术方面(绘画、雕塑、建筑和工艺)取得了无与伦比辉煌成就，给人类留下了宝贵而丰厚的精神遗产，但却不曾出现任何意义上的独立的视觉艺术概念及术语。西方学者发现，在希腊语中，与现代意义上的“艺术”一词最接近的是teckne，但在古希腊这几乎是一个无所不包的概念；而mimesis(“模仿”或“模仿艺术”)更是与现代意义上的模仿艺术有着很大的差异。古希腊的这一局面持续到15世纪都没有发生实质性的变化。如所知，西方第一个纯视觉艺术概念出现在文艺复兴时期的意大利，它就是前面所提到的“迪塞诺艺术”(Arti del Disegno)。这一概念的出现有两个显著的标志：一是乔治·瓦萨利第一次单独为画家、雕塑家和建筑师树碑立传，并在这部《大艺术家传》中为“迪塞诺艺术”明确下定义；二是瓦萨利等视觉艺术家在科西莫大公的庇护下建立了西方第一所视觉艺术学院——佛罗伦萨迪塞诺艺术学院。根据瓦萨利的定义，作为西方艺术史上第一个独立的视觉艺术概念，迪塞诺艺术概念所强调的是绘画、雕塑和建筑的理性特质。⑤

17世纪下半叶，意大利的迪塞诺艺术概念及学院理念开始对欧洲其他国家和地区产生影响，与此同时欧洲的文化艺术中心也由意大利转移到了法国。法国不仅仿照意大利迪塞诺艺术学院建立了巴黎皇家绘画雕塑学院和建筑学院，而且还在“迪塞诺艺术”的基础上建立起现代艺术——“美术”(beaux-arts)——体系，臻于完善和成熟广义的“美的艺术”概念逐渐取代了“迪塞诺艺术”这一单纯的视觉艺术概念。如前所说，当法国的“美术”概念借助《百科全书》传入英国后，其最初的英语对应概念“美术”(fine art或Art)的内涵逐渐发生了一定的变化，即由单一概念变成了一个双重概念。作为广义概念，它与法国的beaux-arts相对应，即使绘画、雕塑、建筑、音乐和诗歌在“模仿美的自然”这一共同原则下集为一个整体；但作为狭义概念，它却是与意大利的A rti del Disegno相对应，是一个单纯的视觉艺术概念，旨在将绘画、雕塑、建筑等纯艺术或高雅艺术与装饰性和实用性艺术区别开来。
    然而，大约从19世纪开始、特别是到了20世纪，小写的art逐渐取代fine art或Art而成为最流行的用法。就视觉艺术而言，几乎就是在“美术”概念随着现代艺术体系得以确立的同时，这条设在纯艺术与实用艺术或美术与非美术之间的界线，不仅使它把一些新的艺术形式排除在外，而且也将人类历史上众多的艺术形式、欧洲以外众多的艺术形式排除在外。尤其是在野兽派、立体派等现代派绘画、雕塑和建筑艺术问世后，这一术语的狭隘性和局限性也就越发突显出来。另外，一些新的艺术形式，(如摄影、电影等)也在向这一概念的封闭性提出了挑战。于是，第一个字母小写的“艺术”(art)逐渐取代了fine art或Art。显而易见，较之“迪塞诺艺术”和“美术”这两个概念，第一个字母小写的“艺术”是一个更具中性色彩的概念，因为这一概念主要是区别“艺术”与“非艺术”而不是对绘画、雕塑、建筑等视觉艺术的类别样式、风格内容、时代地区等加以限制。这样一来，从原始直至当代的、从欧洲、亚洲直到非洲的整个视觉艺术都揽括在自己的名下。不过，值得一提的是，在当代西方，art一词仍有狭义和广义之分。具体地说，它在视觉艺术领域中是狭义的，但在美学或艺术哲学中是广义的。例如，在贡布里奇的《艺术的故事》(The Story of Art)和沃尔夫林的《艺术史原理》(Principles of Art History)中，art就是狭义的；但在赫伯特·里德的《通过艺术的教育》(Education Through Art)、玛克斯·德索的《美学和艺术理论》(Aesthetics and Theory of Arts)中，art则是广义的。另外，在美学或艺术哲学的著述中，为了明确起见，人们常用visual art(视觉艺术)、偶尔也用pla stic art(造型艺术)来作为绘画、雕塑和建筑等艺术的统称，以区别于音乐、文学、戏剧等其他艺术门类。
    总而言之，在西方作为视觉艺术总称的概念性术语不是始终如一和经久不变的，而是随着概念内涵的变化而变化的，Arti del Disegno、fine art/Art、art便是其中最重要的三个概念性术语。
    如所知，西方的“美术”一词传入中国后，很快便从一个有广义和狭义之分的双重概念变成一个纯粹的视觉艺术概念。另外我们还发现，在中国“美术”作为绘画(包括书法)、雕塑、建筑和工艺的总称这一现象始终都没有改变。尽管我们偶尔也看到用“造型艺术”和“视觉艺术”这样的术语来取代“美术”，但在中国，“美术”一词始终都是最正宗、最权威、最流行、最正式(并得到普遍认同)的官方用语。总而言之“美术”在中国经历了一个本土化的过程并最终作为视觉艺术概念的地位得以确立之后便不在发生变化，即便是面对旧石器时代的雕塑和新石器时代的岩画，或面对中西现代派、后现代视觉艺术作品，也是毫不迟疑地将它们置于“美术”的名下，或冠以“美术”的称谓，真可谓是“以不变应万变”。这样一来，在中国，“美术”也就从原来的一个阶段性的特殊概念变成了一个一般性概念。反过来，我们再根据这样的“美术”概念来理解西方现当代小写的艺术(art)一词。例如，长期以来，我们总是习惯把英语art(注意不是fine art或Art)翻译成“美术”，这样的例子俯拾皆是。
    3. 从具有明确价值取向的概念变成中性的学科概念
    在西方，表示“美术”或“美的艺术”这一概念的专门术语，无论是英语fine art、法语beaux-arts还是德语schone k ü nste还是意大利语belli-arti，实际上都是由两个单词构成，其中第一个单词无论属于什么词性，都属于限定词，都是对后面的名词的性质进行限定，以表明价值取向。以英语fine art为例。在这里，形容词fine的意思有“高雅的”、“精美的”和“纯净的”，把这一形容词放在art之前，旨在将属于纯艺术(pure art)的绘画、雕塑和建筑等与实用艺术(applied art)或装饰艺术(decorative art)区别开来。在“美术”占主导地位的时期，前者被视为高雅艺术，而后者则被看作是低俗艺术；然而，尽管中文“美术”一词中“美”无论在词性上还是词义上与fine都是相同的，但在中国，“美术”一词似乎并不具备上述fine art的那种基本内涵。
    纵观西方各个历史阶段出现的作为视觉艺术统称的概念性术语，它们实际上是随着自己所代表的各概念的内涵的变化而变化的。各种视觉艺术概念，一般都具有自己的基本或核心原则。例如，古希腊的teckne的基本原则是建立在“技艺”之基础上的，传统的“模仿艺术”主要是建立在“自然”这一原则之上的，文艺复兴的“迪塞诺艺术”是建立在理性之基础上的，而关于“美术”的基本原则，一般情况下人们都引用巴托的观点，即“摹仿美的自然”是所有美术(绘画、雕塑、音乐、诗歌、舞蹈)的共同原则。⑥
    作为西方艺术史上第一个独立的视觉艺术概念，意大利文艺复兴时期的“迪塞诺艺术”(Arti del Disegno)旨在凭借理性特质将绘画、雕塑和建筑与纯技艺活动区别开来的，从而提高职业画家、雕塑家和建筑师的社会地位。作为迪塞诺艺术的对应概念，法国17世纪的“美的艺术”(beau x-arts)概念同样体现出要提高画家、雕塑家和建筑师等造型艺术家的社会地位，使他们摆脱从事纯手工技艺的手艺人或工匠的身份这一宗旨，即便是到了18世纪下半叶的英国皇家美术学院仍是在致力于这一目标的最终实现。至于在18世纪的法国beaux-arts最终是作为绘画、雕塑、建筑、诗歌和音乐艺术的综合概念而得以确立这一问题，其实与意大利文艺复兴时期人文主义者提高画家、雕塑家和建筑师的社会地位的主要途径和手段密切相关。这种途径与手段就是：一方面是借助绘画和雕塑的题材——希腊神话、宗教、文学、古典知识和历史——来使绘画、雕塑与诗学、音乐、修辞学相提并论；另一方面是把数学、几何学等传统“自由艺术”与这三门视觉艺术密切结合起来；第三个方法就是提倡这些造型艺术家本身具有渊博的人文知识和多才多艺。由于这一任务和使命在意大利并没有完成，确切地说在很大程度上仍然停留在一种理想的层面。所以当这一概念传入欧洲其他国家后，提高本国艺术家的社会地位仍然是必须首先面对和迫切需要解决的问题，17世纪的法国是这样，18世纪的英国也不例外。

    在18世纪下半叶的英国，fine art或Art(美术)作为视觉艺术概念，其实质就在于强调绘画、雕塑的纯艺术性，在于强调它们与实用或装饰艺术之间的区别。关于这一点，我们随便查阅一本英文艺术词典便可以得到证实。例如Edward Lucie-Smith编撰的《艺术术语辞典》(Dictionary of Art Terms, 1984)中关于“美术”的定义是：美术(fine art)指建筑、雕塑和绘画艺术，有别于应用艺术(applied art)和装饰艺术(decretive art)。这种区分到18世纪中叶才完全确立。另外，由Paul Duro & Michael Greenhalgh主编的《艺术史基础》(Essential Art History, 1992)中关于“美术”的解释是：在古希腊罗马，绘画、雕塑和建筑虽然有别于纯手艺，但它们并不属于自由艺术/人文学科(liberal art)的行列。在中世纪，这种混乱的局面并无什么大的改观，但是在阿尔贝蒂、达·芬奇和瓦萨利等这些文艺复兴理论家们的庇护下，这些艺术被赋予了理性特质，并被打上了学院的标识。换言之，绘画、雕塑和建筑的地位被提升了，成为“美的”而非“应用的”或“装饰的”艺术。当然，《简明不列颠百科全书》(第5卷)中关于“美术”词条的解释应该更具权威性：美术(fine art)非功利主义的视觉艺术，或主要以美的创造有关的艺术。一般包括绘画、雕刻和建筑，有时也包括诗歌、音乐和舞蹈。壁画、陶瓷织造、金工和家具制造等一类装饰艺术与工艺，都以实用为宗旨，所以从严格意义上来说，不属于美术范畴。在文艺复兴以前，艺术家与手工艺者几乎没有区别。“美术”这一术语也只是在18世纪中叶才出现。美术与实用艺术的明确区分始于19世纪。
    然而，在我国，美术一词无论是特指绘画、雕塑等视觉艺术的专门术语还是作为视觉艺术、音乐和语言艺术的统称，它与西方的美的艺术(be aux-arts、fine art、Art)之间存在着一种实质性的差异，那就是中国的“美术”似乎从一开始所扮演的就是一个中性词汇。实际上这一现象早在王国维先生那里就已经初露端倪。尽管王国维先生在谈到美术时，多数提及的具体内容都是图画、雕刻、建筑、诗词和音乐，但他偶尔也提到除了这些也应该把木工、金工、抟工纳入美术学习的内容。至于蔡元培先生，他似乎从一开始就没有考虑过做这样的区别。例如，他在《美术的起源》一文中，开门见山的说：“美术有狭义的，广义的。狭义的。是专指建筑、造像(雕刻)、图画与工艺美术(包装饰品)等。”[5] 86这篇文章的第四个自然段的开头是这样写的：“考求人类最早的美术，从两方面着手，一，是古代未开化民族所造的，是古物学的材料。二，是现代未开化民族所造的，是人类学的材料。”接着列举了除欧洲之外的亚洲、非洲、美洲和澳洲等地的现代未开化民族。当他“讲初民的美术”时，首先是从装饰谈起的，从各地区初民的服饰、身体各个部位的装饰一直说到器具上的纹图案。另外，在《美术的进化》、《美术与科学的关系》、《美育》、《二十五年来中国之美育》等文章中，都体现出这一观点。我们从蔡元培先生美术概念中，既看不到他要区分出纯艺术与实用艺术或装饰艺术的目的，也看不出他要分别高雅艺术与低俗艺术的企图。
    蔡元培先生作为辛亥革命后中华民国临时政府第一届教育总长，尤其是后来任北京大学校长这一职务期间，他的这一美术概念及美术观对我国产生了巨大的影响。从目前“美术”一词在我国的用法来看，这一影响甚至就是决定性的。例如，我们培养画家、雕塑家、书法家的专门教育机构是“美术学院”；为这类艺术家提供的专门组织机构是“美术家协会”、收藏、展示和陈列这类作品的机构是“美术馆”；这一领域的专业期刊杂志是《美术观察》、《美术研究》、《美术》、《世界美术》、《新美术》、《美术家》、《美术教育》等；四年一度的国家级大展是“全国美展”等等。另外，理论家和学者们研究古今中外的绘画、雕塑、建筑和工艺等方面的著述均被冠以“中国美术史”、“外国美术史”、“美术理论”，甚至还有“古代美术”、“工艺美术”、“史前美术”、“中国古代礼仪中的美术”、“中世纪美术”这样的标题或称谓。由此可见，在我国“美术”一词是不具有西方那种价值取向的，而且在视觉艺术领域中，它全然是个中性词。之所以如此，这主要是因为“美术”在我国是一个学科概念。如前所述，在我国学科分类中，美术是一个二级学科概念，它与同属一个级别的音乐、设计、舞蹈、戏剧、影视等一道被置于一级学科“艺术”的名下。就这样，一个有着明确价值取向的西方概念在我国最终变成了一个中性的学科概念。然而遗憾的是，音乐、设计、戏剧、舞蹈、影视等本身都是中性词汇或概念，而“美术”这一词汇本身的含义又决定了它不是中性，而是有着明确价值取向的。实际上，用“美”与“不美”(即是否赏心悦目)来衡量一件绘画或雕塑作品、甚至是任何一件视觉艺术作品的好坏、质量的高低，是人们(包括业内与业外的人)最常用的一个标准。因此，如果说，我国艺术界的某种混乱局面与其说是不同或对立的艺术观所导致的，倒不如说是这个“以不变应万变”的“美术”术语惹的祸。当然，本文的目的不在于指出当代用什么术语来取代“美术”作为绘画、雕塑和建筑等视觉艺术的统称，而是要指出目前由于美术这一概念所引发的问题，并揭示和分析问题产生的根源。
    综上所述，中西“美术”概念的差异主要表现在以下三个方面：首先，西方的“美术”一词有广义和狭义之分，广义是美学意义的，包括语言艺术、视觉艺术、听觉艺术和综合艺术。狭义是视觉艺术意义上的，特指绘画、雕塑、建筑等；但在中国，“美术”一词迅速地从一个双重概念变成了一个单纯的视觉艺术概念。第二，西方的“美术”作为绘画、雕塑等视觉艺术的总称，是一个阶段性的称谓。换言之，西方指称绘画、雕塑和建筑的词汇在不同的时期用不同的专门术语，如文艺复兴时期是“迪塞诺艺术”、20世纪前后至今用的是“艺术”(art)，而“美术”就是介于两者之间的一个术语。关键是，这些术语是随着其概念的基本含义的变化而变化，因此每一种称谓都是与其创作和作品相适应的，不会使人产生困惑或造成混乱；但是，中国在20世纪初接受了“美术”作为绘画、雕塑和建筑等实践活动及其产物之统称之后，便出现了“以不变应万变”的局面。换言之，中国的“美术”不再是一个阶段性的术语，它从一个特殊概念变成了一个一般性的概念。第三，西方的“美术”是一个带有明确价值取向的概念，其中将绘画、雕塑和建筑等纯艺术与实用艺术或装饰艺术、高雅艺术与低俗艺术区别开来是它的一个主要特征；但在中国，“美术”一词既无种类和风格之分、更无雅俗和纯艺术与实用艺术之分，它最终完全变成了一个中性的学科概念。

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